El drama del Mediterráneo desde los trazos de Pak Frank.

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Se dice que el escritor mexicano Juan Rulfo dejó de escribir un largo tiempo tras su ópera prima ¨Pedro Páramo¨, por miedo a la mediocridad y la decepción de no ser capaz de superarla. Algo parecido llegué a decirle a Pak Frank al ver lo que yo considero su ¨obra culmen¨ a día de hoy con esta pieza en la que me detengo ahora: ¨Mi hermano, si yo hubiera pintado esta obra, me retiraría de la pintura con el sentimiento del deber cumplido¨.  …Aquello nos llevó a toda una conversación filosófica, que con mucho gusto me detendré pronto a analizarla, pero la misión de hoy para este post es la de ¨desgranar¨ todos los entresijos que justifican esta pintura, de innegable valor tanto plástico como conceptual.

¨La Balsa de Medusa¨ (2016) es una evocación en el tiempo a la obra icónica de Géricault de mismo título, y referencia obligada y representativa del Romanticismo Francés. Plásticamente es un abstracto no figurativo de inmensísima expectacularidad, tanto por formato (3m x 1,5m.) como por aleatoridad infinita del trazo (curvas, rectas, puntos de fuga), como por color (brillo de dorados, ocres, azules), como por el extenso ejercicio de texturas (impastos, drippings, brochazos, paletas, pinceles finos), y como por el interesante repertorio de materiales empleados (óleo, esmaltes, acrílico, metalizados, pintura licuada). El artista me ha prometido que esto es una pieza invendible, la más particular dentro de las particulares de su colección particular, y quiero creer ciegamente que esto será finalmente así. El valor de esta obra es ¨incalificable¨ a nivel económico desde mi humilde opinión.

La escena revive el drama siempre y contínuamente indiferenciado de los inmigrantes desplazados sirios que, huyendo de la guerra y deambulando por el Norte de África hasta llegar a sus costas, se ven en la necesidad de cruzar el Mar Mediterráneo en condiciones infrahumanas para llegar a Europa, su ¨sueño dorado¨. En el año 2016 se batió el récord de personas ahogadas en estas aguas con más de 6000 muertos. Dicen que ya llevamos más de 10.000 desde el año 2011 en que empezó el conflicto, lo que convierte a ese mar en un inmenso cementerio que alguna vez saldrá a los ojos de todos. La mayoría son mujeres y niños que huyen de las bombas, porque los hombres se quedan allá luchando (..y muriendo también). El drama es tan atroz, la respuesta internacional tan escasa, la problemática de tan difícil solución, que Pak Frank no pudo quedar indiferente cuando descubrió el horror de este entendido como ¨daño colateral¨. Esta pintura directamente no intenta ¨apelar¨ contra la conciencia de nadie, pero sí es una forma de expresión y desahogo desde quien utiliza sus herramientas para contarlo, transmitirlo, contagiarlo.

Compositivamente, el cuadro recoge una caótica tormenta de hundimiento, muerte y destrucción, al igual que el original de Géricault. Entre la fuerza de las olas se adivinan rostros de dolor, preocupación, sufrimiento y vencimiento agónico a la muerte. Hay un cielo muy nublado que desprende una descarga incontrolada de rayos. Se descubre el ruido de los truenos confundido junto a la agresividad sonora de las aguas bravas del mar. Todo huele a espuma salina, y la luz está descontrolada por los reflejos de las olas y los brillos oculares de los inmigrantes que todavía a duras penas sobreviven. Todo está abierto a la interpretación, lo que sin duda consigue el efecto que persigue el artista en su expresión: ¨Que todos se metan en la escena. A su manera, pero que se metan¨. ..Y ciertamente lo consigue, el cuadro no deja indiferente a nadie. Incluso es una obra que cada vez que la veo, yo personalmente le digo al artista: ¨Siempre me enseña algo nuevo. Parece una obra viva, como si siempre estuviera modificándose. Nunca la veo igual. Es imposible retenerla visualmente, cada vez que me enfrento a ella, se me presenta como una obra nueva. A mí realmente me hipnotiza, esta obra me puede¨.

(..Y ésta es la primera grandeza de esta pieza).

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Técnicamente la obra tiene interesantes aportes a la pintura. El hecho de generar una ¨multitécnica encubierta¨ de diferentes materiales de pintura (únicamente pintura, a diferencia de las técnicas mixtas), provoca el ¨caos¨ conceptual que persigue el artista, pero sin salirse nunca de los límites de la dimensión material concebida como ¨pintura¨. Es decir: el cuadro es una pintura de ¨multi-pinturas¨, sin salirse nunca hacia el recurso ya bastante manido de la ¨mixta¨, a la que que muchos artistas recurren en forma de collages desde muy diferentes materiales sólidos, a la hora de recoger una potencial situación ¨caótica¨. Todo esto es únicamente ¨líquido¨, que juega con ¨densidades¨, y su uso es a la vez conceptualmente muy simbólico, habiendo esmaltes metalizados dorados que evocan a ese ¨sueño dorado¨ mencionado antes en los inmigrantes, mientras que plásticamente cumplen su función a la hora de evocar el efecto de luz brillante, provocada por el reflejo de los rayos de la tormenta, sobre las olas del mar en medio de una oscuridad nocturna cerrada.

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La pintura licuada sirvió para generar la capa-base del cuadro, de interesantísima creación para este caso. Toda la disposición horizontal rayada que domina y rige a la obra, proviene de una generación invertida desde su perspectiva vertical. Es decir: Pak Frank dispuso inicialmente el soporte del lienzo todavía virgen (blanco), en forma vertical (parado de arriba a abajo), y desde la parte superior dejó caer toda una serie de pintura licuada (baja densidad), que por su propio peso por efecto de la gravedad, generó el dibujo rayado para la estructura compositiva del cuadro. Una vez formada esa ¨trama-rejilla¨, el artista volteó el lienzo para su disposición horizontal final como la actual, donde ya empezó a ¨vomitar¨ su alma en base a las ordenanzas que le emitía el lienzo. Sin boceto, sin esquemas, sin nociones previas, pura creación neuronal.

Esta misma técnica del volteado de lienzo se repite de nuevo al finalizar la obra, esta vez en una tercera dimensión espacial, a la hora de tumbar el lienzo sobre el suelo, con los efectos de ¨drippings¨ al estilo Pollock, para generar las impresiones de gotas y espuma rota sobre las olas del mar chocándose entre ellas en medio de la tormenta.

(…Y ésta es ya la segunda grandeza de esta obra).

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Hay además un nuevo interesante aporte artístico que se descubre en esta obra, y que está relacionado con las texturas y rugosidades que en esta pieza se experimentan. La sensación de ¨universo caótico¨ está perfectamente conseguida a través del relieve. Ésta es una de esas obras en las que nunca una fotografía consigue hacer justicia a su creatividad, para lo que realmente el espectador se encuentra en el momento de acercarse a centímetros de distancia de la plástica. En ese momento, la obra ya directamente te ¨engulle¨, como el cocodrilo que espera paciente al acercamiento de su presa.

Las diferentes densidades entre los materiales empleados, ya de por sí y de forma natural, generan todo un universo de alturas y profundidades; de ¨volúmenes¨. A la vez, hay líneas generadas en esmalte que marcan sus diferencias respecto a las óleas, acrílicas o licuadas. Según la dirección de contemplación, el espectador encuentra incluso auténticos ¨brochazos¨ y hasta ¨paletazos¨ en medio de su recorrido y de forma sorpresiva y aleatoria, generando efectos de prácticamente ¨impastos¨ en medio de tanta pincelada. Es evidente que el artista nunca escatimó de material a la hora de aplicarlo, e incluso muy al contrario, se siente que realmente se ¨recreó¨ mientras construía su monstruo, eso es muy palpable.

(…Y ésta es la tercera grandeza de esta obra).

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Finalmente, hay incluso una nueva vía explorativa desde el artista en esta obra, que aunque él personalmente reconoce que el efecto perseguido todavía no está conseguido al 100%, sí abre ahora una interesante vía de innovación de cara al futuro. Pak Frank arma él mismo las telas sobre el bastidor, y en este cuadro buscó una ¨extra-rugosidad¨ a la hora de alterar la textura plana convencional que le ofrece el lienzo, al ser colocado de forma tradicional sobre bastidor. De esta forma, ante el hecho de ¨destensar¨ el soporte en varios de sus puntos de anclaje, y posteriormente al endurecerse sus rugosidades desde el secado del material aplicado sobre él, genera interesantes efectos redondeados de relieve que para el caso concreto de esta obra, generan un mayor dramatismo para la aleatoriedad del empuje del mar, sobre los objetos en escena a través de sus aguas bravas. Este efecto ya está perfectamente conseguido en esta obra, pero ante la incertidumbre de cómo podría salir el experimento, el artista reconoció que inicialmente se ¨awitó¨, y sólo se atrevió a hacer ¨pequeños guiños¨ como los recogidos en la pieza, pero que le servirán para explorar futuras vías expresivas que requieran de dicha técnica. Personalmente es la primera vez que me encuentro con un artista sensibilizado en distorsionar la superficie de un lienzo, con evidentes intenciones subjetivistas de trastienda.

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CONCLUSIÓN:

Ya he comentado varias veces en este blog que Pak Frank es inicialmente muy accesible y cercano en las formas a la hora de aproximarse a él e intercambiar impresiones de toda índole personal, pero antagónicamente, es muchísimo más complicado y hermético a la hora de poder adentrarse en la confianza de su mundo interior. Hasta donde yo he podido hacerlo, sé que es un artista que se libera creativamente muchísimo contra el papel, cartones, maderas o el cristal, como el caso que empieza a explorar ahora con el proyecto que tiene entre manos. Sin embargo, el lienzo es un soporte que, tal vez por su nobleza tradicional e histórica, inicialmente le impone mucho respeto. No es de los que se ponga a ¨destruir¨ ni experimentar sobre este soporte, si antes previamente no lo ha hecho sobre otro material de una índole más ¨maleable¨. Sin embargo, para este caso de ¨La Balsa de Medusa¨, sí creo poder afirmar que el artista ha dado este paso casi ¨virginal¨, de enfrentarse cara a cara de forma combativa contra el lienzo, perdiéndole definitivamente y de forma exitosa todo su respeto. Todos los avances técnicos, conceptuales y evolutivos que evidencia en esta obra para el contexto de toda su carrera artística, me invitan a poder pensarlo así.

Incluso, el tiempo invertido en la creación de esta obra le delata ante el ¨divertimento¨. Durante dos meses de largo y contínuo respeto y aceptación mutuos, el artista y el soporte cumplieron con sus roles de ¨camaradas¨, y para en este caso concreto, el de un creador que está acostumbrado por su facilidad de dibujo, creatividad innata y dominio de la técnica, a no invertir más de una semana de trabajo en una obra. ..Y en contra de los tiempos de secado del óleo.

Hasta ahora tal vez nunca le hizo falta al artista una mayor dedicación hacia ninguna creación, o tal vez hasta ahora nunca se había enfrentado a una obra que le atrapara tanto en su instinto artístico como evidentemente parece que lo hizo ésta. Es lo que definitivamente la convierte en un interesante ¨punto de inflexión¨.

(…Y éste es el gran valor de esta pieza).

Guadalajara, Jalisco. 17 de Mayo de 2017.

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Documentación:

-El silencio de Juan Rulfo.

http://fahrenheitmagazine.com/fotografia/juan-rulfo-el-fotografo-y-escritor-que-conquisto-al-mundo/

-La Balsa de Medusa.

https://es.wikipedia.org/wiki/La_balsa_de_la_Medusa

-Récord de muertes en el Mediterráneo en 2016.

http://www.eldiario.es/tribunaabierta/record-muertes-Mediterraneo-complicidad-Europa_6_597450261.html

“Jaula de ánimas”. Matemática descontrolada.

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La innovación, metáfora casi siempre asociada a la Revolución, deja de ser muchas veces un recurso meramente técnico, para convertirse una actitud filósófica, existencialista, experimental, casi vital, como una especie de ¨modus vivendi¨. Lo formal, en este tipo de contextos, se convierte en un profundo ¨mensaje oculto¨, y el ávido receptor se encarga de (si quiere, puede o le apetece), descifrar el código que se le presenta.

 

Éste es el caso de la obra en la que me detengo a escribir hoy; ¨Jaula de ánimas¨, del artista mexicano Pak Frank.

Estéticamente reconozco que aún siendo plásticamente muy visual, tanto por formato como por aleatoriedad colorista, no es de mis favoritas dentro del extenso universo expresivo del artista. Sin embargo, esta pinche obra tiene ¨algo¨ que me atrapa. Muchas veces las letras son injustas con los sentimientos, y cuando digo ¨algo¨, me refiero a un conjunto de tormentos neuronales de difícil explicación humana.

 

La obra es un óleo sobre lienzo de 2,5×1,7m., formato suficiente para incluirlo en la categoría de ¨putazo¨ expresivo. De hecho, creo que es de las obras más complicadas a las que me he enfrentado presencialmente en mi vida; que más rompen con la ley de la equidad entre aquella expresión que uno ve en una foto a través de las redes sociales, versus el hecho de plantarse frente a ella y lidiarla como un toro que viene embestido contra tí. No existe cámara fotográfica ni encuadre en el Mundo, capaces de hacer justicia para la solemnidad de estos trazos a los que refiero estas líneas. Y aquí uno empieza a plantearse si realmente la fotografía fue un buen invento o no, por la cuestionable veracidad muchas veces de sus píxeles.

 

El caso es que, poniéndome hoy en la piel del lector de este post, y al ver las fotos que lo acompañan, uno puede pensar ¨este hombre está exagerando¨. Y lo entiendo perfectamente, yo pensaría lo mismo. Pero dénme por favor el chance oportuno a justificarlo todo:

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Esta obra está actualmente expuesta en forma de bienvenida en la entrada del estudio del artista, a escasos días de salir para una galería expositiva en Guadalajara Jalisco. El visitante, cuando entra en el espacio y ve ¨eso¨, automáticamente piensa que entra a un lugar diferente, no se sabe muy bien si es de diseño gráfico, si es de alguna academia de ciencia matemática, si es quizá un simple artista incomprendido al uso, o si incluso de forma sorpresiva, se halla ante una ¨genialidad¨. El caso es que la obra no deja indiferente a nadie.

 

Acercándose los 7 metros que hay que recorrer desde la puerta para ver la obra en detalle, uno ya empieza a descubrir que lo que tiene delante es una acción ¨paranormal¨ de difícil explicación. Un conjunto de ¨símbolos¨ que rompen con las teorías de la armoniosidad, pero que sin embargo y a la vez se concibe como un interesante conjunto armónico fractal. El visualizador realmente acepta ese ¨envite¨ neuronal, se deja querer por la obra, siente que no le hace daño, e incluso acepta la amistad desinteresada y transparente que le ofrece.

 

Y una vez dado este primer y peligroso paso del aproximamiento intelecto-emocional, entonces uno ya se entrega a la obra y empieza a fluírla, a navegar, a digerir su ingente cantidad de trazos, todos ordenados como una matemática, pero sin ser un conjunto matemático. Ni siquiera técnicamente se pintaron como la lógica humana pudiera adivinarlo (de arriba a abajo o viceversa), sino que todo es producto de una aleatoriedad creativa de primero líneas, luego círculos, arriba, abajo, o donde sea. Pak Frank lo justifica diciendo “La obra te manda, y tú sólo tienes que obedecerle”.

 

Porque lo que inicialmente podría evocar a un inmensísimo serial binario de ¨ceros¨ y ¨unos¨, todos repetidos de forma aleatoria para generar un código relativo y descifrable, entonces da paso a la MAGIA de descubrir que ni siquiera una sóla de las ¨ánimas¨ recogidas en esa ¨jaula¨, es igual la una a la otra, dentro de lo que supone toda esa ingente cárcel de 1.247 almas ahí encerradas (me tomé la molestia de contarlas). Todas son diferentes entre ellas, más grandes, más pequeñas, circulares, cuadradas, rectangulares, rojas, azules, negras, blancas, naranjas,… son el INFINITO imposible de digerir. Incluso cada una de ellas sería capaz de generar por sí sóla su propio cuadro, en lo que entiendo que esto es un ejercicio de indudable demostración creativa, donde el artista evidencia que es capaz de generar en un sólo cuadro, la abrumadora cantidad de 1,247 ¨minicuadros¨. (..Mis respetos). Le llegué a preguntar al artista sobre cuál era su ¨ánima¨ favorita para toda la serie ahí plasmada, y me respondió sin titubeo: ¨el Basquiatcito¨. Yo me quedo con el ¨Picassito¨. No hay volúmenes, sólo capas y trazos, millones de trazos de generan su propio volumen. Tampoco hay centros de luz, la propia paleta de color se encarga de generar la luminosidad de la obra. No existen tan siquiera puntos de fuga, la propia composición plana y fractalizada genera sus infinitas rutas de evasión.

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(Basquiatcito).

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(Picassito).

Hasta aquí la explicación plástica de la obra, abierta a innumerables interpretaciones en función del ojo con que se mire. Pero a partir de ahora quisiera entrar en el terreno de lo ¨sensorial¨, la ¨emotividad¨, el ¨por qué¨ de la obra. El universo pictórico como generador de vida, poesía, y sobre todo de movimiento. Sin el movimiento, todo está frito, frío, congelado y muerto. TODO PASA A SER MÚSICA.

 

Este cuadro se hizo en el año 2007, hace exactamente 10 años. Eran tiempos convulsos para el artista a nivel existencialista, se debatía entre el Pak ¨persona¨ y el Pak ¨artista¨, casi como cualquier religión que te obliga ya a decidirte si entrarle o no. Aquello generó en el propio artista un universo interior caótico, casi multiplicador exponencial de nuevos y desconocidos miedos, temores y fantasmas. La inseguridad se adueñaba de las decisiones del artista, todo se convertía en una ¨jaula¨, que encerraba su incapacidad de elegir y decidir por sí mismo de forma libre e independiente. Empezaban a aparecer en su vida ¨personajes¨, tanto en sus sueños como en la vida real. Gente a la que nunca había visto antes, y que ahora se convertían en personas que estaban decidiendo sobre su propio rumbo de vida, sobre lo que en teoría sólo ÉL podía y debía decidir. Se sentía usurpado, de alma robada, encerrado en un mundo que empezaba a no comprender, como un ¨tsunami¨ repentino emocional que le arrasaba sin saber cómo poder esquivarlo, tan siquiera acompañarlo. ..Miedos, y muchas ¨ánimas¨.

 

Probablemente muchos de los lectores que en este momento se encuentren aquí, hayan pasado por una experiencia similar en su vida, se hayan encontrado en la tesitura interiorista de estar obligados a tener que decidir sobre lo desconocido, y sin saber cómo. Momentos que uno se guarda como coraza en su alma por la fragilidad y el temor del darse a descubrir. Pero la diferencia para este caso concreto, es que Pak Frank quiso plasmar todo aquel capítulo de su vida en un lienzo. Y lo hizo a lo grande: en caliente, sin temores frente al lienzo, sin esos mismos miedos que en la vida real le acechaban, sin prejuicios, sin esconderse, y simplemente guiado por el instinto asesino del ¨artista¨, el que todo lo quiere contar, el que no puede callar, el que saca rédito incluso de sus miserias, para finalmente convertirlo en ¨ARTE¨. El escapismo en esencia pura.

 

Así salió su formato mural para esta ¨Jaula de ánimas¨, y para lo que la gran mayoría de la sociedad tal vez hubiese escondido trapeándolo todo bajo la alfombra. Y ésa, si me lo permiten ahora a modo de conclusión, es la grandeza de esta obra, y la honestidad del artista que la creó. Creo que me entienden.

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(Nota paralela: en ningún momento quise adentrarme en el terreno cognitivo de las dos áureas azules que sustentan la obra en su parte superior e inferior. Es parte de lo indescifrable de la obra, lo que dota de ¨personalismo¨ a todo el conjunto de las almas, lo que las transporta como continente y contenido en el camino del lienzo a la mente del espectador. Como respondía Bacon a quien intentaba desentrañar su obra: ¨ES, y ya¨.

¨Otras guerras de Picasso¨. Claves conceptuales.

OGP

(Nota posterior a la redacción de este post:

El proyecto finalmente fue cancelado el día 10 de Abril por diferencias profesionales con la galería. Estamos actualmente en fase de replanteamiento, nuevas participaciones, y nos veremos en Madrid 2018. Gracias).

Vivimos hoy de nuevo tiempos convulsos y preocupantes a nivel mundial. El fenómeno ¨Trump¨ ya despertó de un golpe a los peores tambores de guerra, y de nada parece que sirvieron las lecciones de otras ¨guerras frías¨, que antaño nos llevaron después a capítulos de bombas atómicas, destrucción completa de ciudades, movimientos masivos de poblaciones,.. y en definitiva: ¨RETROCESO HUMANO¨. La diferencia para hoy es que en nuestro pleno Siglo 21, eso de las ¨armas¨ ya evolucionó tanto, que los capítulos bélicos conocidos hasta ahora pueden quedar a la altura de ¨jueguecitos de feria¨, para lo que nos pudiera venir pronto a todos. Antes no se bombardeba vía satélite, ni había drones, ni blindados teledirigidos. Hoy la maquinaria de matar es todavía ¨más maquinaria¨, y se confundiría aquél que piense que eso ¨nos agarra lejos¨.

De todo esto se hablará en el proyecto que lanzamos el próximo mes de Abril en colaboración con la ¨21st. Century Art Factory¨ de Guadalajara Jalisco, en México. Hay ahora mismo unas claves conceptuales que creo oportuno destacar, para entender el inmenso reto al que nos enfrentamos:

 

1. RETO ARTÍSTICO SIN PRECEDENTES A NIVEL MUNDIAL.

En un mundo actual donde sufrimos una cultura que parece estar ideológicamente ¨secuestrada¨, donde ya no hay presupuestos, ni tan siquiera predisposiciones institucionales hacia iniciativas constructivas que luchan tanto contra la indiferencia como la siempre acomodada ¨corrección política¨, surge este proyecto a modo de un oasis en medio de un desierto. La prueba está en que España lleva ya unos años inmiscuída en este tipo de ¨parálisis cerebral¨, donde recientemente acaba de pasar prácticamente desapercibido todo un Cuarto Centenario de la muerte del escritor más célebre e internacional de la cultura hispana, Don Miguel de Cervantes. Y donde se amenaza de nuevo más de lo mismo, para el 80 Aniversario de la creación de la obra ¨Guernica¨ de Picasso, que casualmente hablamos de la obra más controversial en la Historia del Arte a nivel mundial, para el artista ¨buque insignia¨ del Arte Español, también para eso otro de la ¨Marca España¨, y uno de los máximos exponentes a nivel mundial del Arte de Siglo 20, del Modernismo, del Cubismo, de la Vanguardia… y de todos los etcéteras que se quieran poner.

Y digo que ¨amenaza más de lo mismo¨, porque en España sólo tres instituciones relevantes parece que se atreven, de forma tímida e individualizada, sin una cabeza visible coordinadora, a hacer un reconocimiento expreso para este hecho: el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el Museo Picasso de Barcelona, y el Museo Thyssen Bornemisza en Madrid. Los tres dedicarán exposiciones desde sus propias colecciones, o bien en colaboración con otras (Tate-Barcelona), para ¨disfrazar¨ de homenaje a unos proyectos expositivos de colgar en pared algunas obras colgadas ya antes en otros sitios, o incluso todavía peor, guardadas en ¨mazmorras¨.  Pero nadie, absolutamente NADIE, genera Arte EX PROFESO para este hecho tan relevante. Eso simplemente supone ¨meterle con embudo¨ más Picasso a una audiencia que sabe ya perfectamente lo que es ¨Picasso¨, y estirar en lo posible el chicle hasta donde ¨dé de sí¨, a base de seguir generando ingresos con obra que parece infinita, y que ¨para qué¨ dar voz a otros de hoy, para qué generar vanguardia, para qué evolucionar con artistas del presente, si todavía tenemos la voz de Picasso que nos sigue dando nuestros réditos de forma sencilla y sin complicaciones. Esto, a mi entender, es un grave insulto a los artistas vivos del hoy presente, y eso es a lo que yo llamo ¨cultura secuestrada¨. ..Y obvio ni mencioné ni al Museo Picasso Málaga (ciudad natal del artista), ni la propia localidad de Guernica, la gran protagonista de ese cuadro, porque a ambos ni se les oye ni se les espera. Y qué esperar tampoco del Guggenheim Bilbao, que sigue enfrascado ¨erre que erre¨ en que quiere al Guernica en Bilbao, y que eso parece que es únicamente su objetivo-misión existencial de ¨homenaje¨ al Maestro. ..Dios mío qué país.

Y me parece indignante todo esto (es un sentimiento mío personal), porque demuestra hasta qué punto la cultura y las vanguardias están ya ¨atrofiadas¨ en España. Estoy convencido de que al propio jugador de fútbol Messi se le haría un homenaje más ambicioso del que supuestamente supondría ¨colgar unas fotos suyas en una sala de exposición¨. Y eso es lo que está ocurriendo para la oferta expositiva del homenaje a Picasso y su Guernica en este país: para una obra suya POLÍTICA Y ANTIBELICISTA, emblema de su última etapa en vida, se propone una simple oferta de visitar obras de Picasso para otras etapas suyas de jarrones, floreros, mujeres y retratos. No tengo absolutamente ninguna duda de que el propio Picasso estaría igual de indignado que yo, en el momento en que hoy, si simplemente levantara cabeza y descubriera todo este ¨pastel¨, se me hace que probablemente diría: ¨¿..Para eso me partí yo el pecho por España???¨.

La propuesta en la que estamos actualmente trabajando en México va a luchar contra toda esta ¨mediocridad¨, y prometo que no va a dejar indiferente a nadie por la ambición de un proyecto que, EX PROFESO, genera un Arte que de verdad RINDE UN HOMENAJE a una obra tan grandiosa y emblemática, a un concepto tan humano, y a un contexto social y político que hoy tristemente empieza a ser ¨rabiosamente actualidad¨. Sin ninguna duda sé que Picasso estaría orgulloso de ver algo así, y sé que también hubiese echado ¨el resto¨ como nosotros, implicándose desiteresadamente en la iniciativa, y haciendo recordar por ejemplo la anécdota aquella (también en Guadalajara) del guitarrista Santana, que asistiendo de anónimo a un concierto en un bar tapatío, en el momento en que la banda se pone a tocar una rola suya, se sube al escenario, agarra una guitarra, y deja con la boca abierta y los ojos atónitos a todos los asistentes (..obvio ni qué decir de los músicos que estaban tocando en ese momento). Parece que estas cosas ya sólo pasan en tierras de ultramar, porque hoy parece también ya que el término ¨Vanguardia¨ es algo que le empieza a quedar muy grande a España.

 

2. RETO CONCEPTUAL PARA ¨VALIENTES¨.

Como he dicho, nuestro proyecto deja de lado los jarrones, las florecitas y los retratos, y se mete de lleno en la MASACRE DE CIVILES INOCENTES, de mujeres y niños muertos por bombas, jóvenes chicas violadas por soldados, niños amputados por minas, armas químicas, bombas-racimo de exterminio masivo, y poblaciones enteras desplazadas de sus hogares por el simple hecho de vivir en lugares de ¨interés estratégico¨. Todo lo que a Picasso, como artista y sobre todo como persona, humanamente le ¨despertó¨ su Guernica para su conciencia, y que luego le hizo aliarse al comunismo, luchar por la República en contra del Dictador Franco, y empezar a denunciar otras masacres contemporáneas a su generación como la de Corea o el Líbano. Era el último Picasso en vida, el más ¨evolucionado¨ por lo menos en su vertiente intelectual. En este proyecto se va a hablar de todo lo que Picasso habría hablado si simplemente hubiese seguido ¨vivo¨, y que nosotros ahora retomamos como una lección existencial que nos dejó el Maestro en su vida, para que otros pudiéramos continuarla. ..En eso consiste básicamente aquello del ¨PROGRESO DE UNA CIVILIZACIÓN¨.

En torno a esta exposición, se está generando un oportuno ciclo de conferencias magistrales, coordinado por el Doctor Rafael González-Franco (fundador de GreenPeace-México), y que desde su troco conceptual, se hará una analítica profunda en torno a cuatro temáticas afines a la estrategia de la acción: la Guerra y la Paz, la Dignidad Humana, los Derechos Humanos y los Movimientos Migratorios.  Hay muy poca gente que hoy en día se atreva a hablar sobre estas cosas en público (por lo que profesionalmente pudiera derivar en sus intereses), y ésta es la razón por la que yo personalmente agradezco públicamente tanto a los artistas implicados en este proyecto en su parte plástica, a la galería que acoge el evento, como a los agentes activistas civiles que van a aportarle la ¨solidez¨ estructural y profesional que requiere un proyecto de semejante envergadura. A este respecto, es importante también la implicación personal del Sr. Federico Mayor Zaragoza, ex-Director general de la Unesco, como voz crediticia y ¨guía luz¨ que marca el aporte y los principios nobles con los que todos afrontamos desde la ilusión esta iniciativa, recogidos en la declaración sobre una Cultura de Paz desde las Naciones Unidas.

 

3. RETO MEDIÁTICO INTERNACIONAL.

Éste es un proyecto colaborativo Expaña-México, dos patrias que más que nunca hoy, y a través de este tipo de cosas, demuestran eso de que realmente son ¨hermanas¨. Se están moviendo muchas sinergias a este respecto, y la tercera gran clave del proyecto podría ser la posible implicación de los medios que den ¨voz¨ a este mensaje, que consideramos ¨humano y más que nunca necesario¨. Realmente fue hermoso descubrir cómo desde nuestra anterior acción en contra del Muro fronterizo México-USA del Sr. Trump, a través de ellos nuestra voz llegó a las sociedades mexicana, estadounidense, portuguesa y española. Realmente ellos son pieza clave para cualquier proyecto en la vida.

Para esta nueva forma que poponemos de entender el Arte como un ¨ARMA DE CONSTRUCCIÓN MASIVA¨, es importante que nuestro mensaje sea entendido en la forma constructiva que deseamos hacerlo. Éste es un proyecto que lejos de lo que simplemente sería ¨denunciar hechos¨, lo que pretende es ¨CONSTRUIR MENTALIDADES¨, a través del despertar de conciencias, y en lucha contra una indiferencia actual por las consecuencias de las guerras en pleno Siglo 21. ..Indiferencia que realmente ¨nos mata a todos¨, si no reaccionamos de forma unísona e inmediata, como especie humana a la que pertenecemos y que nos incluye a todos en el mismo barco. Las guerras no saben esperar cuando las vías diplomáticas llegan a su fin, y hoy estamos entrando ya peligrosamente en esa ¨cuenta hacia atrás¨, para un camino que luego ya no tendrá retorno si nos lo llegáramos a plantear.

Está en nuestra manos.

(contacto: at3consultants@gmail.com)

DOCUMENTACIÓN:

-80 Aniversario de Guernica-Picasso en España.

http://www.deia.com/2017/01/03/ocio-y-cultura/cultura/prevision-picasso-y-el-guernica-en-su-80-aniversario-protagonizan-el-2017-artistico-

-¨Otras guerras de Picasso¨. Convocatoria en facebook.

https://www.facebook.com/events/236524043466320/

-Declaración y programa de acción sobre una Cultura de Paz. Naciones Unidas.

http://www3.unesco.org/iycp/kits/sp_res243.pdf

-Resultados de ¨México saluda a Trump¨.

https://artteam3.wixsite.com/artteam3/mexico-wall

 

 

 

 

Making-of de ¨México saluda a Trump¨. Ante la adversidad, el querer es poder.

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—————ORIGEN CONCEPTUAL.—————
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Éste es un proyecto que tuvo sus orígenes el mismo día que el Sr. Trump ganó las elecciones presidenciales en USA, el 9 de Noviembre de 2016. Inicialmente se iba a llamar ¨Los otros mundos de Trump¨, y conceptualmente entraba en una mayor profundidad analítica, pues el proyecto pretendía centrar el foco de atención en todos aquellos aspectos ¨paralelos¨ al entorno del Sr. Trump, que no se informaron en los medios de comunicación durante el proceso electoral, y que de alguna forma influyeron en la decisión final del voto de la sociedad americana. Esto suponía una curaduría muy exigente desde el análisis de la vida del Sr. Trump, y para el apoyo necesario de expertos políticos y financieros en la materia de documentación del proyecto. Se ofreció la iniciativa al Museo Universitario del Chopo en el DF, con plazo de inauguración para el 20 de Enero, día de la investudura del nuevo Presidente. Bien por falta material de tiempo para la ejecución, o bien por miedo acomplejado a ¨accionar¨ ante el supuesto poder del nuevo inquilino de la Casa Blanca, el caso es que desde el Chopo se desestimó diplomáticamente la operación.
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Durante el posterior periodo de ¨impotencia¨ entre el querer y ver que no poder, apareció la figura del artista Pak Frank con su carnal de la infancia Mauricio Magaña, que estaba armando una galería de Arte en una nave industrial de Zapopan-Guadalajara, Jalisco. Era un 29 de diciembre, estaban interesados en la acción, les comenté todos los pros y contras, y finalmente el dueño de la galería asumió la situación, lo vio clarísimo, y en media hora de toma de decisión le entró recio al proyecto. Obvio, a escasos 20 días del supuesto plazo para la ejecución de la iniciativa, se tuvieron que rebajar mucho las pretensiones analíticas del proyecto, y todo pasaba a convertirse en un ¨saludo incómodo de bienvenida¨ al nuevo Presidente. México tenía que estar presente ese día y a esa hora de una forma o de otra, veíamos que hasta entonces la sociedad mexicana era ultrajada a nivel migratorio con todo tipo de declaraciones despectivas presidenciales, y a la vez se proponía la construcción de un inmenso Muro fronterizo que era la vergüenza de la Humanidad, con los ojos atónitos de ver que el Presidente Peña Nieto, en nombre de todos los Mexicacanos, sólo se quedaba en la ¨inacción¨. Así nació ¨México saluda a Trump – Fuck the Wall¨, desde un momento en que todos sentíamos que aquello era una ¨injusticia¨, y que de alguna forma debíamos expresarnos y aportarle como fuera y desde la única forma que sabíamos, que era ¨pintando¨. Surgió una iniciativa que tomaba la alternativa civil a través del Arte ante la problemática, y en ausencia inadmisible de la voz política que se hacía necesaria al respecto. El avance del tiempo y la propia Historia sabrán reconocer el valor auténtico de esta acción, que se convierte en la primera exposición de Arte contra el Muro en la era Trump a nivel mundial, siendo inaugurada el mismo día de investidura del nuevo Presidente.
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—————LA EJECUCIÓN HASTA EL DÍA DE LA INAUGURACIÓN.————–
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Aquello era un 29 de Diciembre de 2016, teniendo por medio las fechas estivales de celebraciones de fin de año. Era prácticamente ¨una locura¨ aventarse a ese reto, siendo conscientes del tsunami que se nos venía encima. Afortunadamente todo salió como en el mejor de los sueños, el plan marcado fue el correcto, los artistas se implicaron de forma inmensamente profesional, y se llegó a la fecha con los deberes cumplidos. Pero no fue nada fácil:
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1. LOS ARTISTAS: inicialmente se decidió que la exposición debía ser ¨pequeña pero potente¨. Únicamente 20 obras que permitieran posteriormente una posible itinerancia de la exposición, tanto a nivel logístico de transporte, como de disponibilidad de espacio expositivo. El formato de las obras tenía que ser uniforme, y a la vez impactante, de gran valor visual para atraer la atención del público, y que se pudieran generar ¨selfies¨ que ayudaran a la promoción viral de la exposición vía redes sociales. Se decidió un 2×2 metros. Era imprescindible también que todo fuera en formato ¨colectiva de artistas¨; que un grupo de personas tomaran el testigo de toda una voz social mexicana. Con todo ello, Pak Frank hizo ahí su valiosa labor de convencer al resto de artistas implicados en el proyecto para que le entraran a la acción. Estábamos ya a 3 de Enero cuando la lista finalmente se cerró, entre los que le entraban que luego no le entraban, los que no le entraban, los que nuevo sí le entraban,.. fueron 6 días de auténtica locura en los que unas veces parecía que el proyecto se caía, e instantes depués todo resurgía de nuevo como un Ave Fénix, para volverse a caer, y para volver a resurgir.
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2. LOGÍSTICAS DE PRODUCCIÓN: desde ese tiempo inicial de definición de plantel artístico y de forma paralela, en la carpintería ya se estaban armando los bastidores y lienzos para las 20 obras de exposición. Fue una decisión acertada e inmensamente arriesgada del galerista, pues se corría el riesgo de tener al final los 20 lienzos preparados para ¨no se sabía¨ cuántos artistas. ..Siempre digo que al final el Mundo es para los valientes; si se hubiera esperado, esto no hubiese salido.

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No había ni tan siquiera tiempo material para andar transportando los lienzos armados a los estudios de los artistas, ni tiempo posterior a trater cada obra producida desde cada estudio a la galería para su posterior montaje de exposición. Ante este drama, la otra gran decisión de riesgo acertada fue la de proponer a los artistas la  producción de obra en el mismo lugar de exposición, en la propia galería. Esto era un ¨hito¨, que marcaba el inconveniente de que cada artista tenía su vida paralela, y no se podían marcar horarios de producción. Debía ser un ¨24 horas¨ que pudiera amoldarse a los horarios privados de 20 personas. ..Y así fue: durante 15 días la galería se convirtió en un eterno trajín de entradas y salidas de artistas que unos le iban por la mañana, otros por la tarde, otros tras sus trabajos, otros por las noches, otros en su tiempo de almuerzo, otros que le volvían más tarde, otros antes, en camión o compartiendo carro,.. mis respetos por esta gente. Ellos sí que hacen grande la expresión ésa de ¨orgullo mexicano¨. Créanme que yo sé un poco de qué va todo este ¨pedo¨, y puedo decirles que hay muy pocos lugares en la faz de la Tierra donde puedan alinearse todos los elementos así como lo hicieron aquí, para generar un proyecto de estas características, en este contexto y a este nivel. Todo ello es digno de la más absoluta admiración, y todo a la vez ejecutado de una forma altruista, aquí nadie cobró un pinche peso.

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3. COMUNICACIÓN/PROMOCIÓN: durante estos 20 días se buscó en Guadalajara una persona relacionada con los medios de comunicación que pudiera llevar toda la coordinación de relaciones públicas con medios y promoción. No había nadie dispuesto en la ciudad a aportar de forma desinteresada por aquello de ¨amor al Arte y a mi país¨. En este sentido tuvimos que agarrar el galerista y yo al toro por los cuernos, y durante 20 días esto se convirtió en una permanente plática vía inbox-facebook para toda la coordinación infrahumana que se hizo. Añádanle el inconveniente de la diferencia horaria entre España y México (7 horas), y entendrán cómo nuestro ¨modus operandi¨ al final se convertía en medio día que estábamos conectados on-line, y otro medio donde yo marcaba agendas del día para la labor que debía desarrollar cada parte, por las noches desde México se me pasaban los reports de todo lo conseguido, y por las mañanas del día siguiente desde España yo le chambeaba a todo lo que se podía avanzar hasta que en México levantara el sol. ..Fue ciertamente inhumano.
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Se decidió que yo no fuese la cara visible del proyecto, por la propia credibilidad de la acción. No parecía muy coherente que un ¨español¨ intercediera en asuntos propiamente ¨mexicanos¨ como lo son el Muro y la migración mexicana en USA (aunque muchas veces digo que yo soy más mexicano que muchos cabrones de allá). Desde este punto de vista, la galería tomó el testigo de la responsabilidad, yo le hacía llegar toda la promoción creada desde acá para que ellos la publicaran allá, y visualmente se relegó la imagen de ¨Art Team 3¨ para que nadie asociara el objetivo del proyecto con los extranjerismos. Fue una decisión que la asumí así porque la creía conveniente para la atracción del interés mediático que tanto necesitábamos, y en este sentido creo que fue lo correcto también.
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Por otra parte y ante tanta adversidad, decidí que era prioritario mantener contínuamente caliente a la ¨raza¨ durante esos días. Para el correcto devenir del proyecto, se hizo una extenuante campaña de promoción y actualización informativa vía facebook para todos los avances que se conseguían, en tiempo real y a través del diseño de banners promocionales. Así, comunicábamos TODO a la gente: cuando un medio de comunicación nos publicaba, cuando se hacía oficial la lista de artistas, cuando le entraba un conferenciante, cuando cerrábamos el programa de la inauguración, cuando le entraba un poeta, un DJ,… repito: TODO, CADA PASO, esto es lo que nos hacía evidenciar a todo el mundo que se estaba avanzando contínuamente, y no dábamos pie a la incertidumbre. Incluso hasta le hice un banner al propio galerista cuando nos publicaron en el diario ¨Mural¨ de Jalisco diciéndole ¨tóma cabrón para que te hagas respetar, esto te va a venir bien para empezar a hacerte tu hueco¨. ..Necesitábamos en todo momento la ¨credibilidad¨.
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A nivel puramente comunicativo, creo que fue clave también la decisión de generar una marca de identidad visual propia para la galería y que arrancó con este proyecto. Hasta entonces, el espacio se llamaba ¨Home & Style¨, y consistía en una nave industrial donde el galerista almacenaba sus productos de decoración que vendía al retail. Yo le comenté ¨wey, si te vas a meter al pedo éste del Arte social, no te puedes llamar ¨Home & Style¨, eso no te da credibilidad. Necesitas un nombre más acorde a la situación, te lo digo por tu propia ubicación de hacia dónde le estás tirando¨. Analizamos la situación, le comenté sobre el potencial que tiene esta perspectiva del Arte en Siglo 21 ante la ausencia actual de nuevos rumbos, tendencias y vanguardias, y de ahí nació lo que le propuse como la ¨21st. Century Art Factory¨. Le dije ¨toma estas tarjetas, y que empiece a rodar la rueda¨…
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El resto fue ya todo pura batalla: ¨hazme el diseño para unos vinils y envíalos a esta dirección¨, ¨toma el diseño para estas playeras¨, ¨ahí te va el diseño para los afiches de exposición¨, ¨ahí te cae el texto curatorial¨, ¨envíen estas invitaciones vía email a sus contactos¨, ¨te acabo de enviar los diseños para las fichas de las obras¨, ¨al final no hacemos loneta de fachada¨, ¨publiquen este video promocional de la expo¨, ¨ahí les cae el dossier de medios¨, ¨envíenme fotos de las obras para el dossier al patrocinador¨, ¨cómo va le tema del pisteo, necesitamos bartenders y edecanes¨,.. todo lo que conlleva una exposición en materia promocional y logística, pero comprimido en 10 ¨medios días¨ por la diferencia horaria. Una locura de la que todos, el equipo al completo, debemos sentirnos muy orgullosos de la labor realizada. Nunca tan poco tiempo supuso tanta chamba.
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—————ÉXITO DEL DÍA DE LA INAUGURACIÓN.—————
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Y así llegamos al día 20 de Enero a las 19,00h. Ése era el día donde debían corresponder las asistencias y el fotógrafo. De nada servía todo esto si el público no aparecía, y de nada servía tampoco si todo aquello no generaba un oportuno material gráfico documental para la posterior promoción. Afortunadamente todo salió según el guión previsto, con una asistencia estimada de 160 personas, una conferencia inmaculada con unas conclusiones demoledoras, y una vibra asistencial que se alargó hasta las 01,00h. de la mañana. Mejor imposible, la presión se convirtió en éxtasis. El galerista hizo su rol de oportuno maestro de ceremonias, y todo sentó las bases para un precedente que ya marcaba futuros retos. Tres días después de la inauguración ya empezábamos a platicar sobre el siguiente reto: ¨Otras guerras de Picasso¨ que yo ya tenía armado en mi mente. Les comenté al galerista y al Pak toda la estrategia de la operación, le entraron recio, y empezó a moverse de nuevo toda la ingente maquinaria que este proyecto conllevará por detrás. Se volvía a acumular la chamba: por un lado el post-evento de ¨México saluda a Trump¨ en materia de itinerancia, y por otro lado el pre-evento de ¨Otras guerras de Picasso¨, en materia documental, logística y organizativa.
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Y hasta aquí todo, que neta fue un sueño muy hermoso y sentó las mejores bases para el devenir de la vida. Nos vemos pronto con Picasso, ya estamos dando pasos certeros.
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DOCUMENTACIÓN:
-Album fotográfico completo del making-of + inauguración de ¨México saluda a Trump¨:
-Crónica Jalisco. Reseña del día de la inauguración:
-Album de las obras de exposición y artistas participantes:
-Video promocional:

¨México saluda a Trump¨. Tips conceptuales.

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A escasamente 9 días de la inauguración del proyecto que nos tiene consumidos a muchos estos días, me parece oportuno recoger estos cuatro ¨tips¨ para la comprensión de la acción en su contexto. Cuando pase todo este tsunami, me detendré un día a explicar el ¨making of¨ de esta experiencia que sin duda va a sentar precedentes.

-1. EL OBJETIVO ES EL MURO, NO ES TRUMP:

El sr. Trump ha sido elegido por el pueblo americano, y ahí nosotros no le podemos entrar, ellos sabrán por qué votan y a quién votan. Esta exposición centra su atención en una medida que afecta a los mexicanos, que es ese ¨Muro de la discordia¨ que nos divide como americanos de un mismo continente que somos todos. Esto nos retrotrae a tiempos medievales donde las ciudades se amurallaban en defensa de posibles ataques. Nosotros los mexicanos no estamos atacando a nadie, y es una ofensa que se nos trate como tal. Sentimos a la vez que es INADMISIBLE que el silencio se haga dueño de esta injusticia que cada día va avanzando más a nivel político, y por eso creemos que es justo, necesario y oportuno, que nos aventemos contra esto de la única forma que sabemos hacerlo, y que es PINTANDO. No creemos que ¨pintar¨ haga daño a nadie, sin embargo sí defendemos la idea de que pintando se pueden construir sociedades más formadas. El Arte entendido como ¨aporte¨.

-2. NUESTRO VALOR INVALORABLE SON LOS ARTISTAS.

Estos 20 auténticos MASTERS que participan en este proyecto, han demostrado una capacidad de sacrificio y compromiso a una altura de la que hasta ahora ningún político ha evidenciado. Han sacado adelante en tiempo record de 10 días una colección de Arte de un ALTÍSIMO VALOR ARTÍSTICO, tanto por su variedad plástica como conceptual, y esto es lo que más nos ha sorprendido a los gestores de esta iniciativa, ya que honestamente no lo esperábamos así. Han estado trabajando día y noche, todos ellos compatibilizándolo con sus vidas privadas, porque recordemos que tienen sus chambas, sus familias, y sus obligaciones cotidianas. Han demostrado un NIVEL DE ILUSIÓN que muy poca gente en este país demuestra por defender a su propia patria, por lo que ellos consideran injusto para su país, …realmente estos artistas sí que son ORGULLO MEXICANO. Y todo ello, teniendo que desplazarse diariamente hasta Zapopan durante estos 10 días de producción en camión o en carros compartidos, porque desde el momento en que se gestó este proyecto a principios de Enero, y tras analizar las logísticas de las que disponíamos, llegamos a la conclusión de que era materialmente imposible que los artistas trabajaran las obras en sus propios estudios, por el simple hecho de que no disponíamos de tiempo tangible para proporcionarles los lienzos para las obras, y posteriormente recogerlos para el montaje de la exposición. Este proyecto sólo saldría adelante si ellos le echaban ese ¨coraje¨, y a huevo que lo consiguieron. Nuestros mayores respetos van por ellos, y por la buena vibra que han evidenciado durante el transcurso de la producción: sin celos profesionales, sin competencias ni deseos de liderazgo individual.. Definitivamente estos artistas representan fielmente el concepto ése de la ¨COLECTIVIDAD¨.

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-3. ESTO ES UN PRIMER ÉXITO QUE NOS LLEVARÁ A OTROS MÁS.

Inicialmente teníamos mucho miedo de aventarnos al ¨vacío¨ por ser ésta una experiencia totalmente pionera en México, y por checar cómo respondería la gente. Actualmente podemos decir que todo esto con fortuna nos desbordó, tuvimos que decir ¨no¨ con un inmenso dolor a más artistas que querían implicarse en el proyecto y que tuvimos que desestimarlos por falta de espacio. Nos están contactando a la vez otros espacios expositivos dentro de la República en México y también en USA, para que sumemos sinergias y generemos con ellos una itinerancia de esta colección. De forma paralela, nuestro facebook está muy activo, la gente responde y comparte, y tal vez por lo premeditado de la acción, nos faltó un poco más de apoyo a nivel institucional y en temas de patrocinio. Pensamos que realmente el escaso tiempo de actuación para los plazos en los que nos hemos manejado, nos ha alejado de agentes que queríamos convertirlos en ¨participativos¨, y que entendemos que tal vez por motivos burocráticos, por ahora no pudimos ganarnos su confianza. Pero esto no quedará aquí, y se sume quien se sume a esta nueva rueda de generar ¨Arte Civil¨ que proponemos, ya estamos analizando posibles iniciativas que tenemos en incubadora para el mes de Abril.

-4. SOMOS ¨ARTE CIVIL¨ DE SIGLO 21, ESTO HOY EN DÍA ES TODAVÍA UN SINÓNIMO DE ROMANTICISMO.

En una era donde cada vez la Cultura está más ¨monopolizada¨, tanto a nivel institucional y financiero a través de los grandes centros expositivos (museos y galerías de la ¨primera división¨), nosotros hemos sido capaces de sacar adelante una iniciativa que ya quisiera haberla ejecutado el mismísimo Sr. Larry Gagosian, uno de los ¨meros¨ en estas cosas. No tenemos nada contra él, pero sí defendemos un concepto del Arte que es antagónico a lo que mueve su figura. Nosotros nos nutrimos de la expresión popular, de lo que piensan y sienten las sociedades, de aquello que se entiende como ¨opinión pública¨. Somos todo lo contrario a la palabra ¨elitismo¨, y promovemos un Arte que emane como una fuente desde la sociedad civil, para que le repercuta de forma didáctica a esa misma sociedad civil, casi a modo de un efecto ¨boomerang¨. Hay un dicho popular que dice ¨TODO PARA EL PUEBLO Y CON EL PUEBLO¨, y creo que resume perfectamente el espíritu de esta exposición. Es una nueva forma de entender el Arte y que defiende el concepto de la ¨democratización¨ del Arte, lo que sin ninguna duda puede ser todavía una deuda pendiente que tienen estas supuestas ¨sociedades de Siglo 21¨. De ahí viene el nombre de la galería que lanza nuestro hermano Lic. Mauricio Magaña, como una factoría de crear arte de auténtica ¨contemporaneidad¨ acorde a nuestros tiempos. Se podría decir que esto a día de hoy se concibe como ¨romántico¨, como una forma ensoñadora de leer la realidad. Ojalá podamos en un futuro y desde esta perspectiva contribuir hacia el CAMBIO.

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DOCUMENTACIÓN:

Fotos y videos. Convocatoria ¨México saluda a Trump¨ Facebook:

https://www.facebook.com/events/217699885304521/