México se repondrá pronto, momento para la inversión.

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Para el que tenga interés en México:

México es un país con ideosincracia de raza, patriota hasta la médula, y defensor de lo autóctono como me atrevería a decir ningún país del Mundo. Eso del ¨orgullo mexicano¨ no es un eslogan al uso, sino toda una fe identitaria. Se glorifica lo local, y se destierra a quien no lo respeta como tal. La ¨Malinche¨, aquella mujer indígena que se vendió a los españoles en tiempos colonizadores, todavía es hoy símbolo del ¨malinchismo¨, aplicable para todo aquel que venda toda su patria por propio beneficio personalista. Ejemplos como Paulina Rubio, Luis Miguel, Rafa Márquez,.. y un sinfín de personalidades públicas y políticas que una vez fueron ¨orgullo¨, pasaron al odio y ostracismo cuando expandieron sus fronteras. México es así: eres o no eres mexicano, y eso obligadamente no va asociado al pasaporte, sino a la CONDUCTA. Es una cuestión de sentimiento, y el extranjero es bien recibido cuando le cae allá con esta predisposición. Se pueden llegar a matar entre ellos, pero incluso esto es producto de una cuestión de honor: nadie abandona su tierra, ni en peligro de muerte.

Los desastrosos terremotos que México sufrió en estas dos últimas semanas, han sacado a relucir (BRILLAR) esta ideosincrasia mexicana tan diferenciadora a nivel internacional. Antes de terminar los temblores, toda la sociedad civil ya se estaba organizando en brigadas voluntarias de ayuda al necesitado. Allá donde caía un edificio derrumbado, se colocaba una bandera mexicana. Allá donde no llegaban las máquinas excavadoras, había un mexicano portando su estandarte y desescombrando únicamente con sus manos. Se paraliza un ¨día a día¨ generalizado, pero resurge toda una nación brigadista. No hay ni tiempo para llorar, no esperan a que lleguen las ayudas, no hay tampoco horarios para la labor; nada más hay ciega y absoluta predisposición a la ayuda en tiempo record, introduciéndose cada uno que llega a una cadena humana casi sin saber para qué. Mis respetos por cómo está respondiendo el pueblo mexicano ante el desastre, son una lección oportuna para la Humanidad.

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Que nadie dude de que la recuperación es sólo una cuestión de tiempo. De POCO TIEMPO. A toda esta esencia civil de enfrentar la adversidad, súmenle los recursos del país, México no es Haití. Súmenle también el hecho de que en Julio´2018 son las Elecciones Presidenciales, y veremos desde muy pronto a todos los políticos candidatos moverse como nunca ningún representante se ha movido por su sociedad. Ellos saben que quien se salga ahora de esta carrera ¨humanitaria¨, no tendrá opciones de victoria electoral. Lo utilizarán en su propio beneficio, pero paralelamente esto será algo que repercutirá en todos. Nunca un revés natural fue tan oportuno para lo que le viene al país este próximo año en materia de reconstrucción, y créanme que de todo esto se cumple la sabiduría popular ésa de ¨EL DESASTRE FORTALECE¨.

Por todo ello, yo animo al inversor interesado en México a estar ahora en las duras, porque de forma estratégica le vienen buenos tiempos para las maduras. Quien esté ahora en México, estará germinando una buena semilla. Estoy convencido de que incluso este llamamiento probablemente ya venga tarde, y que los chinos (una vez más ellos por siempre amén), ya están ahora mismo prospectando y reservándose todo el terreno devastado para su posterior gloria. ..En eso hay que reconocer que son los mejores, que no haya dudas al respecto. Tenemos ya muchos precedentes de inversiones estratégicas anteriores como por ejemplo en Cuba cuando el resto del Mundo los está bloqueando, o en Ecuador hace escasamente un año para la zona de Manta con el terremoto que sufrieron allá, y que el ¨milagro chino¨ ha hecho que hoy más de 6.000 nuevas viviendas sean ya reales, más de otras 13.000 reparadas, y con una previsión de 12.000 nuevas viviendas para fin de este año.

…El desastre fortalece.

Documentación:

-A un año del terremoto de Ecuador:

A un año de la tragedia que sacudió Ecuador: ¿qué ha pasado desde el terremoto?

-Ecuador recibe al Presidente de China poco después del terremoto:

http://www.elcomercio.com/actualidad/ecuador-recibira-presidente-china-inversion.html

-Los jóvenes mexicanos, motor de la reconstrucción:

https://elpais.com/internacional/2017/09/22/actualidad/1506105133_452899.html

-Elecciones Federales en México 2018:

https://es.wikipedia.org/wiki/Elecciones_federales_en_M%C3%A9xico_de_2018

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No todo es ¨huella histórica¨.

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Acabo de leer una noticia sobre el descubrimiento que ha ¨sufrido¨ el Museo Mexicano de San Francisco para su colección de Arte Prehispánico. El caso es que tras solicitar un informe a expertos de Arte Maya para su colección de más de dos mil piezas, el resultado del análisis es ciertamente sorprendente: apenas 83 tienen calidad para ser expuestas en un museo de ámbito nacional. El resto (casi el 96% de la colección) son irrelevantes o son directamente falsas.

A colación de esta noticia viene mi comentario de hoy. Hace escasamente un año estuve visitando el Museo Anahuacalli de Diego Rivera en Coyoacán, Ciudad de México. El lugar es imponente, digno de un faraón egipcio. Sólo por este hecho, ya merece una visita que se me antoja imprescindible para los amantes del Arte y la Arquitectura. Se aprende mucho, es un auténtico ¨templo indigenista de Siglo XX¨ en su máxima expresión.

El caso es que tras hacer la visita guiada al lugar organizada desde el centro, uno se da cuenta de la magnificiencia de Diego Rivera en muchos otros campos del Humanismo aparte de la propia pintura como es universalmente conocido, como lo son su afán arquitectónico y sobre todo, el coleccionismo y amor hacia el Arte Prehispánico. Aparentemente Rivera era un comprador compulsivo para todo lo que le llegaba a sus manos en dicha materia, llegando a amasar una colección de más de cincuenta mil piezas en su ingente colección que armó en vida.  ..Eso, tirando de calculadora, es un equivalente a comprar 2 piezas al día durante toda su vida, para los largos 71 años de vida que duró el artista desde el mismo día que nació. ..Eso está a la altura de muy pocos en este Planeta, y obvia decir que es la colección de Arte Prehispánico más grande del Mundo.

Ttras hacer un repaso a las más de dos mil piezas precolombinas expuestas al público en dicho museo entre platos, vasijas y esculturas, a mí me vino a la mente la pregunta del millón que finalmente no se me supo responder:

¨Si realmente Diego era tan impulsivo a la hora de la compra, y de forma paralela sin tener conocimiento de que realmente tuviera a su alrededor un equipo de expertos asesores para la adquisición de piezas, que de alguna forma hiciese la criba de poder garantizar ¨qué piezas¨ eran susceptibles de compra frente a ¨qué otras piezas¨ no eran susceptibles de adquisición, y ante la mera probabilidad de encontrarse el propio Diego ante una copia o falsificación, entonces ¿quién puede garantizar que todo lo que está acá expuesto en el Museo y que acabamos de ver, es pieza original prehispánica o por el contrario, pieza falsa que le hayan podido meter a un comprador impulsivo?¨.

La mujer que ese día hacía de guía en el Museo no pudo más que decirme: ¨nadie puede hacer eso, probablemente sea como usted dice, y por consecuencia existe un margen de riesgo y chance para pensar de que parte de lo que acá se ve, no sea auténtico¨.

…No sé, aquello fue un jarro de agua para mí, todo esto me dio mucho que pensar en su momento, y hoy en parte se confirma con la noticia del Museo de San Francisco. ..La dolorosa conclusión es que tal vez estemos hoy viviendo una ¨realidad virtual¨ de tiempos antepasados,  sustentada por una base cognitiva que no sea del todo ¨auténtica¨. Y si eso fuera así, me sirve cualquier mentalidad crítica con afán analítico, que simplemente afronte la realidad con un espíritu acorde a los tiempos que vivimos. A mí personalmente, me provoca una enorme admiración el hecho de que el Museo de San Francisco no sólo se haya atrevido a solicitar ese informe (probablemente ya tenían sospechas previas para dar este paso), sino que a la vez alabo la decisión de hacer público ese resultado, asumiendo una realidad que genera un auténtico ¨revolcón¨ a todo un proyecto, pero que de forma constructiva hace ¨aporte histórico¨ a una nueva forma de entender nuestro pasado.

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Documentación:

-Una colección de arte mexicano para tirar a la basura.

https://cultura.elpais.com/cultura/2017/07/09/actualidad/1499633410_387426.html

-Museo Anahuacalli.

https://es.wikipedia.org/wiki/Museo_Anahuacalli

ALERTA!: Arte intrascendental de no-retorno.

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AVISO AL LECTOR: Hoy escribo con un cúmulo de contradicciones e indignidad. Voy a ser muy crítico, y me gustaría que se me leyera desde el ánimo constructivo. Incluso animo al debate si procede.

Me llamó mucho la atención leer hace escasamente 3 semanas al artista norteamericano Paul McCarthy acerca de cómo Walt Disney nos dañó (narcotizó, hipnotizó) a las sociedades del mundo entero, con sus fantasiosidades en forma de películas y parques temáticos. Eran tiempos de posguerra mundial, y había que amansar a las fieras. Les recomiendo que lean el artículo que les recojo en la documentación de este post, porque es ciertamente ¨aperturista¨ a nivel mental.

Aquello me recordó a mis tiempos en que yo escribía sobre lo que tal vez Warhol ¨nos jodió¨, y consiguió que aquello del mundo del Arte como expresión se convirtiera en una ¨indusria¨. De todos aquellos polvos llegaron todos estos lodos de hoy, así de cruel.

Recupero también el mensaje alertista (extrema gravedad) de no-retorno que el Sr. Federico Mayor Zaragoza (ex-Director General de Unesco) reitera últimamente en su blog en materias de medioambiente, ciencia y humanismo (también ampliamente recomendable). En uno de mis últimos encuentros con él, me llegó a reconocer lo siguiente: ¨Desde mi formación biológica y mi experiencia en el estudio sobre del Síndrome de Down, considero que el Mundo está actualmente en un momento CLAVE de su existencia, tal y como hoy lo conocemos. Lo que no se haga ahora, será prácticamente imposible recuperarlo después, pudiéndose comparar la situación con el nacimiento de un bebé con Síndrome de Down, y la relevancia que tienen sus primeros 6 días de vida para hacer un tratamiento adecuado sobre ese bebé. Todo lo posterior será ya irreversible¨.

Sin ninguna duda, todo esto se puede extrapolar perfectamente al mundo del Arte haciendo un barrido a vista de pájaro. Históricamente (y muy acrecentado en Siglo 20), el Arte ha sido un ¨arma de expresividad¨ desde el sentir general de las sociedades que era recogido por sus artistas. Ya desde la prehistoria se pintaba en las paredes de las cavernas para contar la acción de la caza. En tiempos pre-románicos los egipcios, persas, chinos e indígenas contaban sus batallas, religiones y modos de vida. Los clásicos griegos nos contaron toda nuestra cuna como civilización. El arte de Medievo nos descubrió nuestra especie como artesana. El Renacimiento Italiano nos contó todos sus avances científicos y luchas dinásticas papales. Tenemos conocimiento de todos los tiempos de expansionismo de imperios europeos por el Mundo gracias a los neoclásicos y románticos. En S.19 el realismo nos detalló toda la revolución industrial, y Goya nos adentró en el mundo de las guerras. En S.20 Picasso y Otto Dix tomaron aquel testigo y siguieron clamando en contra de la injusticia. Los Muralistas mexicanos aportaron también lo suyo. El Arte de propaganda en Guerras Mundiales luchó contra fascismo y los totalitarismos como el Entartete Kunst. En posguerras surgieron los tiempos de los colectivos como los Art Workers´ Coalition que unificaban todos aquellos sentimientos para hacer fuerza contra la guerra de Vietnam. Lo mismo para el Colectivo NSK con la Guerra de los Balcanes.

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¨Flandes¨, Otto Dix. 1936.

..Todo eso hasta aquí es lo que yo entiendo como ¨Arte trascendente¨. Arte que APORTA.

Hoy la cosa está ya en pleno proceso de decadencia, prácticamente en extinción (ALERTA!, camino de no-retorno). Hoy se da un cúmulo atroz de factores a nivel institucional, político, gestor y artístico, para pensar que volvemos a los tiempos ¨balsámicos¨ de Disney. Hoy la censura inducida de las cúpulas institucionales hacen que el Arte de Conciencia no tenga cabida en los espacios expositores públicos por el miedo a la ¨controversia¨ (maldita palabra a la que se aferran los cobardes). Tienen el power de la decisión en materia logística y presupuestaria, y lo utilizan a su antojo y semejanza. Así de cruel también.

Hoy lo potencialmente expositivo es lo ¨no-controversial¨, como aquello que justifica una inversión en Arte (lo llaman ¨Cultura¨) desde un presupuesto electoral. Hay que gastar en Arte, pero este gasto no puede generarnos problemas. Así aparecen los nuevos fenómenos de las instalaciones imposibilistas y las performances sin sentido del nuevo arte ¨contemporáneo¨ (la crítica mexicana Avelina Lésper lo denomina ¨falso arte carente de rigor¨). ..La pintura ya poco a poco empieza a pasar a mejor vida. ..Si Picasso, o Klimt, o Pollock, o Velázquez, o Rembrandt, o Gauguin, o Caravaggio levantaran cabeza…

Hoy los artistas también se mimetizan en esa espiral por el ego individualista de quien todo lo relativiza a la ¨venta¨, ese sinónimo miserable asociado al ¨éxito¨. Hoy mueren los colectivos artísticos poco a poco, porque todos se enfangan en las luchas dinásticas internas para el reparto del poder. La única fe que todavía me queda a este respecto está en el fenómeno del Street-Art; ahí todavía quedan sentimientos colectivistas y hermanadores.

Hoy sólo se exhibe lo ¨contemporáneo¨, entendido esto como lo superficialmente conceptual, lo extravagante, lo metafísico, lo fuera de lugar. Hoy no hay nuevas tendencias, todos imitan lo anterior ya sea abstracto, modernista, pop, o una mezcolanza de todo ello. …A eso lo llaman ¨Vanguardia¨. Creo que vivimos en una enorme crisis creativa, tal vez Basquiat amenazaba con romper toda esta zozobra hasta que nos dejó, y quizás su plástica fue la reacción visionaria de plasmar la sociedad de monstruos inhumanos en la que nos estamos convirtiendo hoy.

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¨Vaso medio lleno¨, Wilfredo Prieto. Galería Nogueras Blanchard, ARCO´2016. Madrid.

Hoy sólo se compran las grandes obras del Arte de nuestra Historia, porque lo presente se convierte en una razonable duda de inversión. Me remito a las grandes ventas desde las grandes casas de subastas, las mismas que sólo ofertan a Hirst o Koons con muy dudosas prácticas especulativas, donde el artista se llega a comprar a sí mismo para incrementar precios. Miserablemente este tipo de artistas hoy son millonarios, y me duele pensar que los Van Gogh o Gauguin murieran en sus tiempos tan pobres. Hoy muchos se relamen con sus obras, así de paradógico es este Mundo de nuestros días.

Hoy ya casi muere también el coleccionimo romanticista, entendido como aquél que invierte en Arte por afición y en patrocinio de un artista. Hoy sólo se compra ¨firma¨, aquello que ha sido generado mediante exposición en un gran Museo, y para ello anteriormente hay que estar a las órdenes ideológicas de lo entendido como ¨establishment¨. ..Pescadilla que se muerde la cola.

Hoy seguimos teniendo guerras, los noticieros nos las recuerdan para Siria, Afganistán o Irak. Hoy medio Mundo se muere de hambruna en África, o ahogado en el Mediterráneo huyendo de ella. Hoy tenemos más conflictos humanos que nunca en la Historia de la Humanidad repartidos por el Mundo y de las formas más atroces inimaginables, porque la industria armamentística se prefecciona día a día (..eso sí que va bien). Hoy tenemos más corrupción que nunca en nuestro sistema democrático occidental. Hoy hay más xenofobia, racismo, machismo o criminalidad repartidos por el Mundo que nunca en nuestra Historia. Hoy hay más niños que nunca participando en conflictos armados o trabajando como esclavos en basureros. Hoy hay más basura que nunca flotando por los mares… … Pero: ¿DÓNDE ESTÁ NUESTRO SUPUESTO ¨ARTE CONTEMPORÁNEO¨ CLAMANDO ANTE TANTA BARBARIE, IGUAL QUE OTROS LO HICIERON ANTES EN SUS OTROS TIEMPOS TAMBIÉN CONTEMPORÁNEOS?. ¿QUÉ APORTE O LEGADO DEJAREMOS NOSOTROS COMO GENERACIÓN, A LOS FUTUROS HISTORIADORES?.

Hoy todo ya es un ¨sálvese quien pueda¨, hoy manda la opresión de la ideología, hoy se acepta el sometimiento colectivo a cambio del éxito individual, y todo esto nos hunde en la intrascendencia del Arte entendido hasta ahora como una expresión humana meramente existencial,.. y que hoy se convierte en un ¨no se sabe qué¨. Hoy ya no sabemos hacia dónde vamos, hoy probablemente ya casi no tengamos ni ¨humanidad¨, hoy ya no hay valores ni ganas que se antepongan al dinero, hoy todo se relativiza al ¨éxito individual¨, y esto ya es el principio del camino para el no-retorno que ya nos empiezan a avisar; esto será irreversible. Es bueno ser conscientes de todo ello, como el doctor que hace el diagnóstico adecuado de la enfermedad antes de definir el tratamiento. ..En el Arte también.

DOCUMENTACIÓN:

-Avelina Lésper. El Arte Contemporáneo es una farsa.

http://www.vanguardia.com.mx/elartecontemporaneoesunafarsaavelinalesper-1362825.html#.UEPofkCdqk0.facebook

-ARCO. Medio vaso de agua por 20.000 euros.

http://www.elconfidencial.com/cultura/2015-02-26/medio-vaso-de-agua-por-20-000-euros_718416/

-Paul McCarthy. “Hay una línea recta que va de Hitler a Walt Disney”.

http://cultura.elpais.com/cultura/2017/05/30/babelia/1496160286_319213.html

-La Guerra de Otto Dix.

http://unfollowmagazine.com/2013/01/la-guerra-de-dix/

-Arte y II Guerra Mundial. Un antes y un después.

http://queaprendemoshoy.com/arte-y-segunda-guerra-mundial-un-antes-un-despues/

-Wikipedia. Art Workers´ Coalition.

https://en.wikipedia.org/wiki/Art_Workers%27_Coalition

-Wikipedia. Neue Slowenische Kunst (NSK).

https://en.wikipedia.org/wiki/Neue_Slowenische_Kunst

-Wikipedia. Historia del arte occidental.

https://es.wikipedia.org/wiki/Historia_del_arte_occidental

-Este blog. Tal vez Warhol nos jodió.

https://jorgemedinaazcarate.wordpress.com/2013/09/21/warhol-tal-vez-nos-jodio/

-Documental. La gran burbuja del Arte Contemporáneo.

El drama del Mediterráneo desde los trazos de Pak Frank.

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Se dice que el escritor mexicano Juan Rulfo dejó de escribir un largo tiempo tras su ópera prima ¨Pedro Páramo¨, por miedo a la mediocridad y la decepción de no ser capaz de superarla. Algo parecido llegué a decirle a Pak Frank al ver lo que yo considero su ¨obra culmen¨ a día de hoy con esta pieza en la que me detengo ahora: ¨Mi hermano, si yo hubiera pintado esta obra, me retiraría de la pintura con el sentimiento del deber cumplido¨.  …Aquello nos llevó a toda una conversación filosófica, que con mucho gusto me detendré pronto a analizarla, pero la misión de hoy para este post es la de ¨desgranar¨ todos los entresijos que justifican esta pintura, de innegable valor tanto plástico como conceptual.

¨La Balsa de la Medusa¨ (2016) es una evocación en el tiempo a la obra icónica de Géricault de mismo título, y referencia obligada y representativa del Romanticismo Francés. Plásticamente es un abstracto no figurativo de inmensísima expectacularidad, tanto por formato con sus casi 3m x 1,5m., como por aleatoridad infinita del trazo (curvas, rectas, puntos de fuga), como por color (brillo de dorados, ocres, azules), como por el extenso ejercicio de texturas (impastos, drippings, brochazos, paletas, pinceles finos), y como por el interesante repertorio de materiales empleados (óleo, esmaltes, acrílico, metalizados, pintura licuada). El artista me ha prometido que esto es una pieza invendible, la más particular dentro de las particulares de su colección particular, y quiero creer ciegamente que esto será finalmente así. El valor de esta obra es ¨incalificable¨ a nivel económico desde mi humilde opinión.

La escena revive el drama siempre y contínuamente indiferenciado de los inmigrantes desplazados sirios que, huyendo de la guerra y deambulando por el Norte de África hasta llegar a sus costas, se ven en la necesidad de cruzar el Mar Mediterráneo en condiciones infrahumanas para llegar a Europa, su ¨sueño dorado¨. En el año 2016 se batió el récord de personas ahogadas en estas aguas con más de 6000 muertos. Dicen que ya llevamos más de 10.000 desde el año 2011 en que empezó el conflicto, lo que convierte a ese mar en un inmenso cementerio que alguna vez saldrá a los ojos de todos. La mayoría son mujeres y niños que huyen de las bombas, porque los hombres se quedan allá luchando (..y muriendo también). El drama es tan atroz, la respuesta internacional tan escasa, la problemática de tan difícil solución, que Pak Frank no pudo quedar indiferente cuando descubrió el horror de este entendido como ¨daño colateral¨. Esta pintura directamente no intenta ¨apelar¨ contra la conciencia de nadie, pero sí es una forma de expresión y desahogo desde quien utiliza sus herramientas para contarlo, transmitirlo, contagiarlo.

Compositivamente, el cuadro recoge una caótica tormenta de hundimiento, muerte y destrucción, al igual que el original de Géricault. Entre la fuerza de las olas se adivinan rostros de dolor, preocupación, sufrimiento y vencimiento agónico a la muerte. Hay un cielo muy nublado que desprende una descarga incontrolada de rayos. Se descubre el ruido de los truenos confundido junto a la agresividad sonora de las aguas bravas del mar. Todo huele a espuma salina, y la luz está descontrolada por los reflejos de las olas y los brillos oculares de los inmigrantes que todavía a duras penas sobreviven. Todo está abierto a la interpretación, lo que sin duda consigue el efecto que persigue el artista en su expresión: ¨Que todos se metan en la escena. A su manera, pero que se metan¨. ..Y ciertamente lo consigue, el cuadro no deja indiferente a nadie. Incluso es una obra que cada vez que la veo, yo personalmente le digo al artista: ¨Siempre me enseña algo nuevo. Parece una obra viva, como si siempre estuviera modificándose. Nunca la veo igual. Es imposible retenerla visualmente, cada vez que me enfrento a ella, se me presenta como una obra nueva. A mí realmente me hipnotiza, esta obra me puede¨.

(..Y ésta es la primera grandeza de esta pieza).

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Técnicamente la obra tiene interesantes aportes a la pintura. El hecho de generar una ¨multitécnica encubierta¨ de diferentes materiales de pintura (únicamente pintura, a diferencia de las técnicas mixtas), provoca el ¨caos¨ conceptual que persigue el artista, pero sin salirse nunca de los límites de la dimensión material concebida como ¨pintura¨. Es decir: el cuadro es una pintura de ¨multi-pinturas¨, sin salirse nunca hacia el recurso ya bastante manido de la ¨mixta¨, a la que que muchos artistas recurren en forma de collages desde muy diferentes materiales sólidos, a la hora de recoger una potencial situación ¨caótica¨. Todo esto es únicamente ¨líquido¨, que juega con ¨densidades¨, y su uso es a la vez conceptualmente muy simbólico, habiendo esmaltes metalizados dorados que evocan a ese ¨sueño dorado¨ mencionado antes en los inmigrantes, mientras que plásticamente cumplen su función a la hora de evocar el efecto de luz brillante, provocada por el reflejo de los rayos de la tormenta, sobre las olas del mar en medio de una oscuridad nocturna cerrada.

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La pintura licuada sirvió para generar la capa-base del cuadro, de interesantísima creación para este caso. Toda la disposición horizontal rayada que domina y rige a la obra, proviene de una generación invertida desde su perspectiva vertical. Es decir: Pak Frank dispuso inicialmente el soporte del lienzo todavía virgen (blanco), en forma vertical (parado de arriba a abajo), y desde la parte superior dejó caer toda una serie de pintura licuada (baja densidad), que por su propio peso por efecto de la gravedad, generó el dibujo rayado para la estructura compositiva del cuadro. Una vez formada esa ¨trama-rejilla¨, el artista volteó el lienzo para su disposición horizontal final como la actual, donde ya empezó a ¨vomitar¨ su alma en base a las ordenanzas que le emitía el lienzo. Sin boceto, sin esquemas, sin nociones previas, pura creación neuronal.

Esta misma técnica del volteado de lienzo se repite de nuevo al finalizar la obra, esta vez en una tercera dimensión espacial, a la hora de tumbar el lienzo sobre el suelo, con los efectos de ¨drippings¨ al estilo Pollock, para generar las impresiones de gotas y espuma rota sobre las olas del mar chocándose entre ellas en medio de la tormenta.

(…Y ésta es ya la segunda grandeza de esta obra).

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Hay además un nuevo interesante aporte artístico que se descubre en esta obra, y que está relacionado con las texturas y rugosidades que en esta pieza se experimentan. La sensación de ¨universo caótico¨ está perfectamente conseguida a través del relieve. Ésta es una de esas obras en las que nunca una fotografía consigue hacer justicia a su creatividad, para lo que realmente el espectador se encuentra en el momento de acercarse a centímetros de distancia de la plástica. En ese momento, la obra ya directamente te ¨engulle¨, como el cocodrilo que espera paciente al acercamiento de su presa.

Las diferentes densidades entre los materiales empleados, ya de por sí y de forma natural, generan todo un universo de alturas y profundidades; de ¨volúmenes¨. A la vez, hay líneas generadas en esmalte que marcan sus diferencias respecto a las óleas, acrílicas o licuadas. Según la dirección de contemplación, el espectador encuentra incluso auténticos ¨brochazos¨ y hasta ¨paletazos¨ en medio de su recorrido y de forma sorpresiva y aleatoria, generando efectos de prácticamente ¨impastos¨ en medio de tanta pincelada. Es evidente que el artista nunca escatimó de material a la hora de aplicarlo, e incluso muy al contrario, se siente que realmente se ¨recreó¨ mientras construía su monstruo, eso es muy palpable.

(…Y ésta es la tercera grandeza de esta obra).

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Finalmente, hay incluso una nueva vía explorativa desde el artista en esta obra, que aunque él personalmente reconoce que el efecto perseguido todavía no está conseguido al 100%, sí abre ahora una interesante vía de innovación de cara al futuro. Pak Frank arma él mismo las telas sobre el bastidor, y en este cuadro buscó una ¨extra-rugosidad¨ a la hora de alterar la textura plana convencional que le ofrece el lienzo, al ser colocado de forma tradicional sobre bastidor. De esta forma, ante el hecho de ¨destensar¨ el soporte en varios de sus puntos de anclaje, y posteriormente al endurecerse sus rugosidades desde el secado del material aplicado sobre él, genera interesantes efectos redondeados de relieve que para el caso concreto de esta obra, generan un mayor dramatismo para la aleatoriedad del empuje del mar, sobre los objetos en escena a través de sus aguas bravas. Este efecto ya está perfectamente conseguido en esta obra, pero ante la incertidumbre de cómo podría salir el experimento, el artista reconoció que inicialmente se ¨awitó¨, y sólo se atrevió a hacer ¨pequeños guiños¨ como los recogidos en la pieza, pero que le servirán para explorar futuras vías expresivas que requieran de dicha técnica. Personalmente es la primera vez que me encuentro con un artista sensibilizado en distorsionar la superficie de un lienzo, con evidentes intenciones subjetivistas de trastienda.

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CONCLUSIÓN:

Ya he comentado varias veces en este blog que Pak Frank es inicialmente muy accesible y cercano en las formas a la hora de aproximarse a él e intercambiar impresiones de toda índole personal, pero antagónicamente, es muchísimo más complicado y hermético a la hora de poder adentrarse en la confianza de su mundo interior. Hasta donde yo he podido hacerlo, sé que es un artista que se libera creativamente muchísimo contra el papel, cartones, maderas o el cristal, como el caso que empieza a explorar ahora con el proyecto que tiene entre manos. Sin embargo, el lienzo es un soporte que, tal vez por su nobleza tradicional e histórica, inicialmente le impone mucho respeto. No es de los que se ponga a ¨destruir¨ ni experimentar sobre este soporte, si antes previamente no lo ha hecho sobre otro material de una índole más ¨maleable¨. Sin embargo, para este caso de ¨La Balsa de la Medusa¨, sí creo poder afirmar que el artista ha dado este paso casi ¨virginal¨, de enfrentarse cara a cara de forma combativa contra el lienzo, perdiéndole definitivamente y de forma exitosa todo su respeto. Todos los avances técnicos, conceptuales y evolutivos que evidencia en esta obra para el contexto de toda su carrera artística, me invitan a poder pensarlo así.

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Incluso, el tiempo invertido en la creación de esta obra le delata ante el ¨divertimento¨. Durante dos meses de largo y contínuo respeto y aceptación mutuos, el artista y el soporte cumplieron con sus roles de ¨camaradas¨, y para en este caso concreto, el de un creador que está acostumbrado por su facilidad de dibujo, creatividad innata y dominio de la técnica, a no invertir más de una semana de trabajo en una obra. ..Y en contra de los tiempos de secado del óleo.

Hasta ahora tal vez nunca le hizo falta al artista una mayor dedicación hacia ninguna creación, o tal vez hasta ahora nunca se había enfrentado a una obra que le atrapara tanto en su instinto artístico como evidentemente parece que lo hizo ésta. Es lo que definitivamente la convierte en un interesante ¨punto de inflexión¨.

(…Y éste es el gran valor de esta pieza).

Guadalajara, Jalisco. 17 de Mayo de 2017.

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FICHA TÉCNICA:

-Técnica: óleo, esmalte, pintura metalizada, acrílico.

Óleo: tubos ¨ATL¨ y ¨Widsor and Newton¨.
Acrílico: ¨Politec¨.
Esmalte: ¨Casther¨.
Metalizada: ¨Dazzling Metallics¨ de Americana.
Bastidor: madera de abeto.
(Bastidores Indigo, Guadalajara Jalisco).

-Soporte: lienzo.

Tela: canvas tipo lienzo con base algodón y lino.

-Estilo: expresionismo abstracto.

-Tiempo de producción: 2 meses.

-Preproducción: Pintura neuronal sin boceto.

-Medidas: 130x280cm.

-Evocación: ¨La balsa de la Medusa¨. Théodore Géricault.

-Marco: sin enmarcar.

-Barniz: sin barnizar (posibilidad a gusto de comprador).

-Comisariado: Jorge Medina Azcárate. Art Team3

-Precio: at3consultants@gmail.com

-Certificado de autenticidad.

 

Documentación:

-El silencio de Juan Rulfo.

http://fahrenheitmagazine.com/fotografia/juan-rulfo-el-fotografo-y-escritor-que-conquisto-al-mundo/

-La Balsa de Medusa.

https://es.wikipedia.org/wiki/La_balsa_de_la_Medusa

-Récord de muertes en el Mediterráneo en 2016.

http://www.eldiario.es/tribunaabierta/record-muertes-Mediterraneo-complicidad-Europa_6_597450261.html

“Jaula de ánimas”. Matemática descontrolada.

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La innovación, metáfora casi siempre asociada a la Revolución, deja de ser muchas veces un recurso meramente técnico, para convertirse una actitud filósófica, existencialista, experimental, casi vital, como una especie de ¨modus vivendi¨. Lo formal, en este tipo de contextos, se convierte en un profundo ¨mensaje oculto¨, y el ávido receptor se encarga de (si quiere, puede o le apetece), descifrar el código que se le presenta.

 

Éste es el caso de la obra en la que me detengo a escribir hoy; ¨Jaula de ánimas¨, del artista mexicano Pak Frank.

Estéticamente reconozco que aún siendo plásticamente muy visual, tanto por formato como por aleatoriedad colorista, no es de mis favoritas dentro del extenso universo expresivo del artista. Sin embargo, esta pinche obra tiene ¨algo¨ que me atrapa. Muchas veces las letras son injustas con los sentimientos, y cuando digo ¨algo¨, me refiero a un conjunto de tormentos neuronales de difícil explicación humana.

 

La obra es un óleo sobre lienzo de 2,5×1,7m., formato suficiente para incluirlo en la categoría de ¨putazo¨ expresivo. De hecho, creo que es de las obras más complicadas a las que me he enfrentado presencialmente en mi vida; que más rompen con la ley de la equidad entre aquella expresión que uno ve en una foto a través de las redes sociales, versus el hecho de plantarse frente a ella y lidiarla como un toro que viene embestido contra tí. No existe cámara fotográfica ni encuadre en el Mundo, capaces de hacer justicia para la solemnidad de estos trazos a los que refiero estas líneas. Y aquí uno empieza a plantearse si realmente la fotografía fue un buen invento o no, por la cuestionable veracidad muchas veces de sus píxeles.

 

El caso es que, poniéndome hoy en la piel del lector de este post, y al ver las fotos que lo acompañan, uno puede pensar ¨este hombre está exagerando¨. Y lo entiendo perfectamente, yo pensaría lo mismo. Pero dénme por favor el chance oportuno a justificarlo todo:

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Esta obra está actualmente expuesta en forma de bienvenida en la entrada del estudio del artista, a escasos días de salir para una galería expositiva en Guadalajara Jalisco. El visitante, cuando entra en el espacio y ve ¨eso¨, automáticamente piensa que entra a un lugar diferente, no se sabe muy bien si es de diseño gráfico, si es de alguna academia de ciencia matemática, si es quizá un simple artista incomprendido al uso, o si incluso de forma sorpresiva, se halla ante una ¨genialidad¨. El caso es que la obra no deja indiferente a nadie.

 

Acercándose los 7 metros que hay que recorrer desde la puerta para ver la obra en detalle, uno ya empieza a descubrir que lo que tiene delante es una acción ¨paranormal¨ de difícil explicación. Un conjunto de ¨símbolos¨ que rompen con las teorías de la armoniosidad, pero que sin embargo y a la vez se concibe como un interesante conjunto armónico fractal. El visualizador realmente acepta ese ¨envite¨ neuronal, se deja querer por la obra, siente que no le hace daño, e incluso acepta la amistad desinteresada y transparente que le ofrece.

 

Y una vez dado este primer y peligroso paso del aproximamiento intelecto-emocional, entonces uno ya se entrega a la obra y empieza a fluírla, a navegar, a digerir su ingente cantidad de trazos, todos ordenados como una matemática, pero sin ser un conjunto matemático. Ni siquiera técnicamente se pintaron como la lógica humana pudiera adivinarlo (de arriba a abajo o viceversa), sino que todo es producto de una aleatoriedad creativa de primero líneas, luego círculos, arriba, abajo, o donde sea. Pak Frank lo justifica diciendo “La obra te manda, y tú sólo tienes que obedecerle”.

 

Porque lo que inicialmente podría evocar a un inmensísimo serial binario de ¨ceros¨ y ¨unos¨, todos repetidos de forma aleatoria para generar un código relativo y descifrable, entonces da paso a la MAGIA de descubrir que ni siquiera una sóla de las ¨ánimas¨ recogidas en esa ¨jaula¨, es igual la una a la otra, dentro de lo que supone toda esa ingente cárcel de 1.247 almas ahí encerradas (me tomé la molestia de contarlas). Todas son diferentes entre ellas, más grandes, más pequeñas, circulares, cuadradas, rectangulares, rojas, azules, negras, blancas, naranjas,… son el INFINITO imposible de digerir. Incluso cada una de ellas sería capaz de generar por sí sóla su propio cuadro, en lo que entiendo que esto es un ejercicio de indudable demostración creativa, donde el artista evidencia que es capaz de generar en un sólo cuadro, la abrumadora cantidad de 1,247 ¨minicuadros¨. (..Mis respetos). Le llegué a preguntar al artista sobre cuál era su ¨ánima¨ favorita para toda la serie ahí plasmada, y me respondió sin titubeo: ¨el Basquiatcito¨. Yo me quedo con el ¨Picassito¨. No hay volúmenes, sólo capas y trazos, millones de trazos de generan su propio volumen. Tampoco hay centros de luz, la propia paleta de color se encarga de generar la luminosidad de la obra. No existen tan siquiera puntos de fuga, la propia composición plana y fractalizada genera sus infinitas rutas de evasión.

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(Basquiatcito).

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(Picassito).

Hasta aquí la explicación plástica de la obra, abierta a innumerables interpretaciones en función del ojo con que se mire. Pero a partir de ahora quisiera entrar en el terreno de lo ¨sensorial¨, la ¨emotividad¨, el ¨por qué¨ de la obra. El universo pictórico como generador de vida, poesía, y sobre todo de movimiento. Sin el movimiento, todo está frito, frío, congelado y muerto. TODO PASA A SER MÚSICA.

 

Este cuadro se hizo en el año 2007, hace exactamente 10 años. Eran tiempos convulsos para el artista a nivel existencialista, se debatía entre el Pak ¨persona¨ y el Pak ¨artista¨, casi como cualquier religión que te obliga ya a decidirte si entrarle o no. Aquello generó en el propio artista un universo interior caótico, casi multiplicador exponencial de nuevos y desconocidos miedos, temores y fantasmas. La inseguridad se adueñaba de las decisiones del artista, todo se convertía en una ¨jaula¨, que encerraba su incapacidad de elegir y decidir por sí mismo de forma libre e independiente. Empezaban a aparecer en su vida ¨personajes¨, tanto en sus sueños como en la vida real. Gente a la que nunca había visto antes, y que ahora se convertían en personas que estaban decidiendo sobre su propio rumbo de vida, sobre lo que en teoría sólo ÉL podía y debía decidir. Se sentía usurpado, de alma robada, encerrado en un mundo que empezaba a no comprender, como un ¨tsunami¨ repentino emocional que le arrasaba sin saber cómo poder esquivarlo, tan siquiera acompañarlo. ..Miedos, y muchas ¨ánimas¨.

 

Probablemente muchos de los lectores que en este momento se encuentren aquí, hayan pasado por una experiencia similar en su vida, se hayan encontrado en la tesitura interiorista de estar obligados a tener que decidir sobre lo desconocido, y sin saber cómo. Momentos que uno se guarda como coraza en su alma por la fragilidad y el temor del darse a descubrir. Pero la diferencia para este caso concreto, es que Pak Frank quiso plasmar todo aquel capítulo de su vida en un lienzo. Y lo hizo a lo grande: en caliente, sin temores frente al lienzo, sin esos mismos miedos que en la vida real le acechaban, sin prejuicios, sin esconderse, y simplemente guiado por el instinto asesino del ¨artista¨, el que todo lo quiere contar, el que no puede callar, el que saca rédito incluso de sus miserias, para finalmente convertirlo en ¨ARTE¨. El escapismo en esencia pura.

 

Así salió su formato mural para esta ¨Jaula de ánimas¨, y para lo que la gran mayoría de la sociedad tal vez hubiese escondido trapeándolo todo bajo la alfombra. Y ésa, si me lo permiten ahora a modo de conclusión, es la grandeza de esta obra, y la honestidad del artista que la creó. Creo que me entienden.

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(Nota paralela: en ningún momento quise adentrarme en el terreno cognitivo de las dos áureas azules que sustentan la obra en su parte superior e inferior. Es parte de lo indescifrable de la obra, lo que dota de ¨personalismo¨ a todo el conjunto de las almas, lo que las transporta como continente y contenido en el camino del lienzo a la mente del espectador. Como respondía Bacon a quien intentaba desentrañar su obra: ¨ES, y ya¨.