El ¨Guernica¨ más desapercibido.

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Tras un año de intensa documentación para nuestro proyecto sobre el Guernica de Picasso, me detengo un poco en el camino a hacer balance de lo más interesante que el camino me descubrió hasta aquí. Esto es sólo un ¨alto¨, y ojalá quiera Dios que dentro de un siguiente año pueda escribir con materia aún más detallista. Afortunadamente hay una extensísima documentación para todo el proceso histórico que supone la palabra ¨Guernica¨, y a la vez bastante accesible de encontrar en la red. Lo que yo expongo a continuación, es lo que considero más ¨inóspito¨, lo que uno ya realmente tiene que bucear más profundo para poder encontrarlo en ¨concretos minutajes¨ de extensos vídeos.

Me llama mucho la atención encontrarme con la paradoja de lo que realmente se vivió en el país Vasco para el proceso de la llegada del Guernica a España desde el MoMA, versus la desconsideración y el ¨desaire¨ con el que este tema es tratado desde los historiadores españoles. Para los vascos fue el tema ¨calibre¨ de aquellos tiempos, y parece como si los españoles quisieron batallear aquella problemática desde la forma más deshonrosa para cualquier intelectualidad: obviándolo. Mediáticamente ayudó mucho por aquellos tiempos el Golpe de Estado del Coronel Tejero justo 2 meses y medio antes de aterrizar el Guernica en Madrid, unido al precalentamiento del Mundial de Fútbol en España al año siguiente. Ahí encontraron sus ¨bombas de humo¨ para quitarse un gran problema de encima. Desde entonces, y con una herida sin curar, los vascos han estado tímidamente recordando su reivindicación desde quien se sabe perdedor de esta batalla, tal  vez porque tristemente Picasso nunca recogió en su herencia el lugar donde debía estar el cuadro en España, y tal vez porque pensó que ya nunca la obra regresaría más. Hoy en día la batalla ideológica para todo este tema se centra entre el Reina Sofía que nunca quiere sacar su buque insignia de sus paredes, y el Museo del Prado que reivindica que se lo quitaron de las manos. ..Mi opinión personal es que si Picasso levantara hoy cabeza, probablemente sorprendería a ambas instituciones y se lo llevaría a un lugar donde diesen a la obra un mayor ¨trato humano¨, en base a su temática antibelicista de trasfondo, y por encima de mercadotecnias y egos.

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Me sorprendió mucho descubrir que cuando finalmente se decidió albergar al Guernica en el Reina Sofía tras su paso por el Casón del Buen Retiro, no sabían cómo sacar la obra del lugar (pues el cuadro entró enrollado, pero ya se decidó no desarmarlo nunca más, y por tanto salía armado sobre bastidor). Tuvieron que derribar pared de un lateral del edificio para poder sacarlo, pues no había puerta capaz de dar la altura de la obra. Desconozco si realmente hay alguna anécdota similar para la entrada de la obra en el Reina Sofía, aunque intuyo que por esta misma razón, el Guernica pudo empezar en el Reina Sofía siendo ubicado en una sala inicial compartiendo protagonismo con otras obras, como espacio ¨transicional¨ hasta poder reubicarlo donde hoy se exhibe de forma individual en la sala 206.

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A este respecto, estuve una vez asistiendo a una conferencia sobre el cuidado y mantenimiento del ¨Guernica¨ con Jorge García Gómez-Tejedor, jefe de conservación del Reina Sofía. Casualmente dos semanas antes del encuentro, el Museo Louvre de París había sufrido unas inundaciones por fuertes lluvias, que les obligó a desalojar en tiempo record toda la obra privada que tenían en sus bodegas. Aquello me dio pie para preguntarle al restaurador si realmente el Reina Sofía tiene hoy algún plan de evacuación en tiempo record para sacar el Guernica del Museo, para una amenaza grave como puedan ser ciclones, bombardeos o terremotos, pues honestamente pienso que no debe ser fácil mover semejante ¨monstruo¨ de casi 8 metros en condiciones límite de extrema gravedad. Me confesó que realmente el Museo no tiene un plan de evacuación para ese tipo de casos tan ¨límite¨, pero sí existe definido un plan de traslado de obra para otros sitios de Madrid y España para casos posibles de guerra. ..Una especie de ¨mapa de nuevas ubicaciones¨, a eso se limita todo. Me sorprendió.

Es realmente interesante descubrir también los dos ataques que sufrió el ¨Guernica¨ durante su estancia en el MoMA. Uno fue producto de algún vándalo sin mucha razón, que clavó un bolígrafo sobre el ojo del soldado fallecido que recoje la obra. El otro caso ya es más serio: un artista despechado que escribió en grande sobre la obra con spray rojo las palabras ¨Kill lies all¨ (¨todo son mentiras¨, 1974). En muchos sitios se le define a esta persona como un nuevo ¨fanático¨ como quien habla del asesino de Lennon, pero realmente la persona que está detrás de esta acción se llama Tony Shafrazi, iraní de origen armenio, perteneciente al colectivo de artistas ¨The Art Workers‘ Coalition (AWC)¨. Esta acción reivindicaba el deseo de todo un conjunto de artistas pacifistas que se posicionaron en contra de la Guerra de Vietnam 32 años después de haberse pintado el ¨Guernica¨, y que exigían a Picasso que alzara su voz contra el Gobierno de USA para esta nueva barbarie inhumana que recogía la Historia de la Humanidad, de la misma manera que el artista se posicionó antes para la Guerra Civil Española. ..En aquellos tiempos Picasso salía de pintar su ¨Masacre en Corea¨ (1951) y su mural ¨Guerra y Paz¨ (1952), y tal vez aquella nueva reivindicación la sintió el artista como ¨descontextualizada¨.

 

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Aquello dio pie a otra interesante revelación. La restauración de aquel ataque con spray fue posible gracias al barniz que el MoMA había aplicado sobre el original ¨Guernica¨ para la correcta conservación de la obra, dentro de todo el proceso de restauración que se hizo en 1957 para una obra que ya estaba cuarteada y perdía trozos de pintura por tantos enrollamientos, viajes y cambios de temperaturas. Dicho barniz permitió que el spray no llegara a la primera capa de pintura de la obra, y con una reacción rápida de limpieza, consiguieron borrar aquellas letras sin dañar a la obra. Picasso, como muchos tal vez ¨puristas¨ que todavía afortunadamente quedan hoy en el mundo del Arte, no quería nunca barnizar sus obras por considerar esto como una ¨barrera conflictiva¨ que se armaba entre la obra y el espectador, por los efectos de brillos y luces falsas que provoca frente a la iluminación, lo que de alguna forma ¨desvirtúa¨ la realidad a la hora de percibir matices muy concreto de color así como texturas.

 

Finalmente, es inmensamente interesante y oportuno descubir el ¨Picasso¨ que resultó tras la obra ¨Guernica¨ (parte importante para las directrices de nuestro proyecto). El artista antibélico que irrumpió con aquella obra y que ya se reafirmó hasta el final de su vida, apenas pasa hoy todavía desapercibido entre la gran mayoría de los críticos e historiadores del Arte, para una producción de más de 300 obras en esta etapa concreta (de hecho, el Museo Reina Sofía está haciendo hoy un 80 Aniversario centrando su atención en el camino del artista recorrido hasta llegar a ¨Guernica¨, e ignorando incomprensiblemente tanto el mensaje antibelicista de la obra como el posterior artista resultante de aquella ejecución). Su mural ¨La Guerra y la Paz¨ en el Castillo de Vallauris en Francia, junto a la extensa serie de 200 dibujos generados para su proceso creativo, supone artísticamente la obra ¨culmen¨ para esta fase del Picasso humanamente más maduro e ideológicamente más intenso. Algo similar ocurre para otras obras que hizo el genio referentes a la Guerra de Corea, así como su extensa serie de palomas de la Paz, o su enfrentamiento contra el nazismo con “Le Charnier. El osario”. Obras todas ellas tal vez ¨políticamente incómodas¨, que sufrieron su silenciamiento mediático y artístico, centrando estratégicamente todo el peso del interés en el Picasso anterior a ¨Guernica¨, y en perjuicio del Picasso ¨social y activista¨ que empezaba a nacer. ..El ¨políticamente incorrecto¨; expresión que ya tanto cansa cuando quieren devaluar a una persona que se sale de las pautas del stablishment. La involucración del artista con el Partido Comunista en Francia, unido a su republicanismo y anti-franquismo manifiestos, ayudó a que este desvío de la atención se acrecentara. Y así, poco a poco, ¨Guernica¨ pasaba a convertirse en un icono meramente plástico, de interés puramente ¨técnico¨, quedando difunidado su concepto de trasfondo.

 

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(Foto: “Le Charnier. El osario”. 1944).
Hay críticos que defienden la teoría del ¨lenguaje de simbilismos¨ que encierra la obra ¨Guernica¨ entre bambalinas, dando un significado de trastienda a cada uno de los personajes que están representados sobre el escenario. Desde mi humilde opinión, intuyo que no existe un significado ¨tan profundo¨ de la obra, y que Picasso hizo esta pintura desde un enfoque mucho más ¨neuronal¨, movido por los sentimientos de rechazo e injusticia que sentía por una barbarie incomprendida por el artista (al fin y al cabo tuvo escasamente 1 mes y 3 semanas para la producción de obra desde que le encargaron el proyecto). Desde este punto de vista, sí podría hablarse de ¨inspiraciones¨ a la hora de recoger un toro por el que Picasso sentía tanta devoción, o mujeres que pudieran ser su esposa o amantes. Tal vez Picasso quiso ¨subjetivar¨ en todo ello su mundo interior que sentía masacrado con aquel bombardeo, y que veía derrumbarse en las 3 horas escasas que duró aquella masacre de 40 toneladas de explosivos sobre toda una población civil. El hecho de que cambiara tantas veces de posición los elementos de aquella composición que tenía en mente incluso mientras producía el arte final, puede dar pie a pensar que el artista buscaba un conjunto visualmente armonioso para el equilibrio de pesos sobre el escenario, pero teniendo muy claro que el toro era siempre ¨toro¨, y que el caballo iba a ser siempre ¨caballo¨.  Yo personalmente tengo mis serias dudas para todo lo que se habla de los significados de trasfondo tras todas las figuras recogidas en la obra, aún siempre respetando y alabando todos los análisis que se hacen al respecto (que me perdonen los ofendidos).
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Y digo esto porque Picasso era un artista impaciente, como los grandes genios, incapaz de dedicar a una obra más que lo estrictamente necesario para otorgar oxígeno a una obra para su ¨propia vida existencial¨. Incluso se dice que para terminar la obra en el plazo marcado, y con la carga de trabajo que tenía el artista en ese momento, recicló una obra que tenía en proceso para la muerte del torero Joselito. 
Desde todo este punto de vista, considero que la grandeza del ¨Guernica¨ está en descubrir el ¨alma y esencia¨ de Picasso en un momento muy concreto de su vida, y para un artista camaleónico en contínua e ilimitada evolución.
Documentación:
-Tony Shafrazi.
-Protestas en Euskadi por la instalación del “Guernica” en el Casón del Buen Retiro.
-Traslado del Guernica del Casón al Reina Sofía.
-Los personajes del Guernica.
-Diez curiosidades sobre el Guernica.
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El drama del Mediterráneo desde los trazos de Pak Frank.

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Se dice que el escritor mexicano Juan Rulfo dejó de escribir un largo tiempo tras su ópera prima ¨Pedro Páramo¨, por miedo a la mediocridad y la decepción de no ser capaz de superarla. Algo parecido llegué a decirle a Pak Frank al ver lo que yo considero su ¨obra culmen¨ a día de hoy con esta pieza en la que me detengo ahora: ¨Mi hermano, si yo hubiera pintado esta obra, me retiraría de la pintura con el sentimiento del deber cumplido¨.  …Aquello nos llevó a toda una conversación filosófica, que con mucho gusto me detendré pronto a analizarla, pero la misión de hoy para este post es la de ¨desgranar¨ todos los entresijos que justifican esta pintura, de innegable valor tanto plástico como conceptual.

¨La Balsa de la Medusa¨ (2016) es una evocación en el tiempo a la obra icónica de Géricault de mismo título, y referencia obligada y representativa del Romanticismo Francés. Plásticamente es un abstracto no figurativo de inmensísima expectacularidad, tanto por formato con sus casi 3m x 1,5m., como por aleatoridad infinita del trazo (curvas, rectas, puntos de fuga), como por color (brillo de dorados, ocres, azules), como por el extenso ejercicio de texturas (impastos, drippings, brochazos, paletas, pinceles finos), y como por el interesante repertorio de materiales empleados (óleo, esmaltes, acrílico, metalizados, pintura licuada). El artista me ha prometido que esto es una pieza invendible, la más particular dentro de las particulares de su colección particular, y quiero creer ciegamente que esto será finalmente así. El valor de esta obra es ¨incalificable¨ a nivel económico desde mi humilde opinión.

La escena revive el drama siempre y contínuamente indiferenciado de los inmigrantes desplazados sirios que, huyendo de la guerra y deambulando por el Norte de África hasta llegar a sus costas, se ven en la necesidad de cruzar el Mar Mediterráneo en condiciones infrahumanas para llegar a Europa, su ¨sueño dorado¨. En el año 2016 se batió el récord de personas ahogadas en estas aguas con más de 6000 muertos. Dicen que ya llevamos más de 10.000 desde el año 2011 en que empezó el conflicto, lo que convierte a ese mar en un inmenso cementerio que alguna vez saldrá a los ojos de todos. La mayoría son mujeres y niños que huyen de las bombas, porque los hombres se quedan allá luchando (..y muriendo también). El drama es tan atroz, la respuesta internacional tan escasa, la problemática de tan difícil solución, que Pak Frank no pudo quedar indiferente cuando descubrió el horror de este entendido como ¨daño colateral¨. Esta pintura directamente no intenta ¨apelar¨ contra la conciencia de nadie, pero sí es una forma de expresión y desahogo desde quien utiliza sus herramientas para contarlo, transmitirlo, contagiarlo.

Compositivamente, el cuadro recoge una caótica tormenta de hundimiento, muerte y destrucción, al igual que el original de Géricault. Entre la fuerza de las olas se adivinan rostros de dolor, preocupación, sufrimiento y vencimiento agónico a la muerte. Hay un cielo muy nublado que desprende una descarga incontrolada de rayos. Se descubre el ruido de los truenos confundido junto a la agresividad sonora de las aguas bravas del mar. Todo huele a espuma salina, y la luz está descontrolada por los reflejos de las olas y los brillos oculares de los inmigrantes que todavía a duras penas sobreviven. Todo está abierto a la interpretación, lo que sin duda consigue el efecto que persigue el artista en su expresión: ¨Que todos se metan en la escena. A su manera, pero que se metan¨. ..Y ciertamente lo consigue, el cuadro no deja indiferente a nadie. Incluso es una obra que cada vez que la veo, yo personalmente le digo al artista: ¨Siempre me enseña algo nuevo. Parece una obra viva, como si siempre estuviera modificándose. Nunca la veo igual. Es imposible retenerla visualmente, cada vez que me enfrento a ella, se me presenta como una obra nueva. A mí realmente me hipnotiza, esta obra me puede¨.

(..Y ésta es la primera grandeza de esta pieza).

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Técnicamente la obra tiene interesantes aportes a la pintura. El hecho de generar una ¨multitécnica encubierta¨ de diferentes materiales de pintura (únicamente pintura, a diferencia de las técnicas mixtas), provoca el ¨caos¨ conceptual que persigue el artista, pero sin salirse nunca de los límites de la dimensión material concebida como ¨pintura¨. Es decir: el cuadro es una pintura de ¨multi-pinturas¨, sin salirse nunca hacia el recurso ya bastante manido de la ¨mixta¨, a la que que muchos artistas recurren en forma de collages desde muy diferentes materiales sólidos, a la hora de recoger una potencial situación ¨caótica¨. Todo esto es únicamente ¨líquido¨, que juega con ¨densidades¨, y su uso es a la vez conceptualmente muy simbólico, habiendo esmaltes metalizados dorados que evocan a ese ¨sueño dorado¨ mencionado antes en los inmigrantes, mientras que plásticamente cumplen su función a la hora de evocar el efecto de luz brillante, provocada por el reflejo de los rayos de la tormenta, sobre las olas del mar en medio de una oscuridad nocturna cerrada.

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La pintura licuada sirvió para generar la capa-base del cuadro, de interesantísima creación para este caso. Toda la disposición horizontal rayada que domina y rige a la obra, proviene de una generación invertida desde su perspectiva vertical. Es decir: Pak Frank dispuso inicialmente el soporte del lienzo todavía virgen (blanco), en forma vertical (parado de arriba a abajo), y desde la parte superior dejó caer toda una serie de pintura licuada (baja densidad), que por su propio peso por efecto de la gravedad, generó el dibujo rayado para la estructura compositiva del cuadro. Una vez formada esa ¨trama-rejilla¨, el artista volteó el lienzo para su disposición horizontal final como la actual, donde ya empezó a ¨vomitar¨ su alma en base a las ordenanzas que le emitía el lienzo. Sin boceto, sin esquemas, sin nociones previas, pura creación neuronal.

Esta misma técnica del volteado de lienzo se repite de nuevo al finalizar la obra, esta vez en una tercera dimensión espacial, a la hora de tumbar el lienzo sobre el suelo, con los efectos de ¨drippings¨ al estilo Pollock, para generar las impresiones de gotas y espuma rota sobre las olas del mar chocándose entre ellas en medio de la tormenta.

(…Y ésta es ya la segunda grandeza de esta obra).

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Hay además un nuevo interesante aporte artístico que se descubre en esta obra, y que está relacionado con las texturas y rugosidades que en esta pieza se experimentan. La sensación de ¨universo caótico¨ está perfectamente conseguida a través del relieve. Ésta es una de esas obras en las que nunca una fotografía consigue hacer justicia a su creatividad, para lo que realmente el espectador se encuentra en el momento de acercarse a centímetros de distancia de la plástica. En ese momento, la obra ya directamente te ¨engulle¨, como el cocodrilo que espera paciente al acercamiento de su presa.

Las diferentes densidades entre los materiales empleados, ya de por sí y de forma natural, generan todo un universo de alturas y profundidades; de ¨volúmenes¨. A la vez, hay líneas generadas en esmalte que marcan sus diferencias respecto a las óleas, acrílicas o licuadas. Según la dirección de contemplación, el espectador encuentra incluso auténticos ¨brochazos¨ y hasta ¨paletazos¨ en medio de su recorrido y de forma sorpresiva y aleatoria, generando efectos de prácticamente ¨impastos¨ en medio de tanta pincelada. Es evidente que el artista nunca escatimó de material a la hora de aplicarlo, e incluso muy al contrario, se siente que realmente se ¨recreó¨ mientras construía su monstruo, eso es muy palpable.

(…Y ésta es la tercera grandeza de esta obra).

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Finalmente, hay incluso una nueva vía explorativa desde el artista en esta obra, que aunque él personalmente reconoce que el efecto perseguido todavía no está conseguido al 100%, sí abre ahora una interesante vía de innovación de cara al futuro. Pak Frank arma él mismo las telas sobre el bastidor, y en este cuadro buscó una ¨extra-rugosidad¨ a la hora de alterar la textura plana convencional que le ofrece el lienzo, al ser colocado de forma tradicional sobre bastidor. De esta forma, ante el hecho de ¨destensar¨ el soporte en varios de sus puntos de anclaje, y posteriormente al endurecerse sus rugosidades desde el secado del material aplicado sobre él, genera interesantes efectos redondeados de relieve que para el caso concreto de esta obra, generan un mayor dramatismo para la aleatoriedad del empuje del mar, sobre los objetos en escena a través de sus aguas bravas. Este efecto ya está perfectamente conseguido en esta obra, pero ante la incertidumbre de cómo podría salir el experimento, el artista reconoció que inicialmente se ¨awitó¨, y sólo se atrevió a hacer ¨pequeños guiños¨ como los recogidos en la pieza, pero que le servirán para explorar futuras vías expresivas que requieran de dicha técnica. Personalmente es la primera vez que me encuentro con un artista sensibilizado en distorsionar la superficie de un lienzo, con evidentes intenciones subjetivistas de trastienda.

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CONCLUSIÓN:

Ya he comentado varias veces en este blog que Pak Frank es inicialmente muy accesible y cercano en las formas a la hora de aproximarse a él e intercambiar impresiones de toda índole personal, pero antagónicamente, es muchísimo más complicado y hermético a la hora de poder adentrarse en la confianza de su mundo interior. Hasta donde yo he podido hacerlo, sé que es un artista que se libera creativamente muchísimo contra el papel, cartones, maderas o el cristal, como el caso que empieza a explorar ahora con el proyecto que tiene entre manos. Sin embargo, el lienzo es un soporte que, tal vez por su nobleza tradicional e histórica, inicialmente le impone mucho respeto. No es de los que se ponga a ¨destruir¨ ni experimentar sobre este soporte, si antes previamente no lo ha hecho sobre otro material de una índole más ¨maleable¨. Sin embargo, para este caso de ¨La Balsa de la Medusa¨, sí creo poder afirmar que el artista ha dado este paso casi ¨virginal¨, de enfrentarse cara a cara de forma combativa contra el lienzo, perdiéndole definitivamente y de forma exitosa todo su respeto. Todos los avances técnicos, conceptuales y evolutivos que evidencia en esta obra para el contexto de toda su carrera artística, me invitan a poder pensarlo así.

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Incluso, el tiempo invertido en la creación de esta obra le delata ante el ¨divertimento¨. Durante dos meses de largo y contínuo respeto y aceptación mutuos, el artista y el soporte cumplieron con sus roles de ¨camaradas¨, y para en este caso concreto, el de un creador que está acostumbrado por su facilidad de dibujo, creatividad innata y dominio de la técnica, a no invertir más de una semana de trabajo en una obra. ..Y en contra de los tiempos de secado del óleo.

Hasta ahora tal vez nunca le hizo falta al artista una mayor dedicación hacia ninguna creación, o tal vez hasta ahora nunca se había enfrentado a una obra que le atrapara tanto en su instinto artístico como evidentemente parece que lo hizo ésta. Es lo que definitivamente la convierte en un interesante ¨punto de inflexión¨.

(…Y éste es el gran valor de esta pieza).

Guadalajara, Jalisco. 17 de Mayo de 2017.

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FICHA TÉCNICA:

-Técnica: óleo, esmalte, pintura metalizada, acrílico.

Óleo: tubos ¨ATL¨ y ¨Widsor and Newton¨.
Acrílico: ¨Politec¨.
Esmalte: ¨Casther¨.
Metalizada: ¨Dazzling Metallics¨ de Americana.
Bastidor: madera de abeto.
(Bastidores Indigo, Guadalajara Jalisco).

-Soporte: lienzo.

Tela: canvas tipo lienzo con base algodón y lino.

-Estilo: expresionismo abstracto.

-Tiempo de producción: 2 meses.

-Preproducción: Pintura neuronal sin boceto.

-Medidas: 130x280cm.

-Evocación: ¨La balsa de la Medusa¨. Théodore Géricault.

-Marco: sin enmarcar.

-Barniz: sin barnizar (posibilidad a gusto de comprador).

-Comisariado: Jorge Medina Azcárate. Art Team3

-Precio: at3consultants@gmail.com

-Certificado de autenticidad.

 

Documentación:

-El silencio de Juan Rulfo.

http://fahrenheitmagazine.com/fotografia/juan-rulfo-el-fotografo-y-escritor-que-conquisto-al-mundo/

-La Balsa de Medusa.

https://es.wikipedia.org/wiki/La_balsa_de_la_Medusa

-Récord de muertes en el Mediterráneo en 2016.

http://www.eldiario.es/tribunaabierta/record-muertes-Mediterraneo-complicidad-Europa_6_597450261.html

La cucaracha filosófica.

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Hoy van unas letras intimistas.

Llegar un día cualquiera al estudio de Pak Frank es sinónimo de ¨neuroexplotar¨; te hace pensar, y eso ya le eleva a quienes le visitan a la altura de los privilegiados. La más mínima excusa circunstancial del momento, es oportuna para arrancar todo un tormento de inquietudes existenciales. Por ejemplo una cucaracha agoniza volteada en las escaleras de la entrada, intentando hasta la extenuación algo tan básico como recuperar su posición inicial para sobrevivir. No sé por qué la Naturaleza falló con el diseño de estos animales, pero el caso es que la muerte le agarra a la pobre cucaracha cuando finalmente extenuada deja de patear, y las hormigas hacen el resto para acabar con el episodio.

..Y ahí puede empezar todo.

En ese momento nos preguntamos cómo un animal tan frágil es de las pocas especies del Planeta que serían capaces de sobrevivir a la bomba atómica. La misma bomba que en los casos de Hiroshima y Nagasaki, posiblemente alteró unos pocos grados el eje de rotación de la Tierra respecto al Sol, lo que puede llegar a explicar muchas cosas respecto a eso otro que entendemos por ¨cambio climático¨.

Ese eje de rotación nos lleva al otro de la traslación, a las órbitas planetarias, a las estaciones metereológicas, y a Saturno. El planeta de los anillos flotantes, los que probablemente estén ahí por una lucha egocéntrica de varios núcelos gravitacionales que tiran entre ellos hacia su poder, pero que ninguno consigue dominar. ..Y los anillos quedan ahí flotando como resultado neutralizado desde una lucha imposible.

¨Lucha imposible¨ es también la del activista social que muchas veces frustrado e incomprendido, sigue un camino solitario por un Mundo mejor por el que él cree y apuesta, pero que a los demás les vale ¨verga¨. Puede ser la ¨Paz¨, la ¨Justicia¨, la ¨Dignidad¨, la ¨Ecología¨ o la ¨Pobreza¨, pero a todos los demás les vale madres porque están ya lobotomizados, atrapados en un sistema sin salida donde ya sólo importa el dinero. Moral de Siglo 21. Y entonces uno se cuestiona si realmente la Antropología debiera revisar hoy el concepto ése del ¨Ser Humano¨ y delimitarlo todavía mucho más. Es oportuno plantearse por qué los pájaros están perfectamente delimitados por tipología y no se les llama a todos ¨pájaro¨, pero sin embargo a todos los habitantes de la Tierra se nos llama ¨hombre¨, o ¨ser humano¨. Yo mismo, en mi caso concreto como pacifista devoto, no me considero perteneciente a la misma especie animal habitante de este Planeta frente a un soldado que viola a mujeres en la guerra, o un abogado que saca a un pederasta de la cárcel, o un mercenario que por encargo mata a un empresario, o incluso un político corrupto que roba del dinero de los  demás. Sin ninguna duda somos diferentes ¨especies¨, y ahí la Antropología falla estrepitosamente. Tal vez quede mucho camino a la hora de definir eso del ¨ser humano¨, de la misma forma en que reconocemos de un vistazo a los canarios, jilgueros, colibríes o golondrinas.

El pájaro nos lleva a la libertad del vuelo; éste nos retrotrae de nuevo al Espacio; ahora aparece el ¨Space Oddity¨ de Bowie; y finalmente éste nos aterriza en el Arte de los 70´s. Ahí brindamos por los excesos eternamente incomprendidos de Jim Morrison o Ian Curtis desde unas sociedades excesivamente moralistas, frente a la injusticia (ahora incomprendida por mí) del exitoso Warhol, que arrancó el camino éste de la ¨superficialidad¨ en el que todos nos hundimos hoy como sociedades vacías, huecas, etéreas, autómatas. Yo personalmente necesitaría una máquina del tiempo que me llevara a esa época y entender cómo este personaje, que hoy su Arte se pone en peluquerías, pudo arrastrar a tanta gente. Le hacemos cirugía precisa a una época histórica probablemente irrepetible de éxtasis creativo a todos los niveles, y aparece el gran Isao Tomita, el otro inmensamente injusticiado padre de la música electrónica que componía auténticas atmósferas oníricas mientras medio mundo se hundía en las drogas del flower-power. …Y entonces concluímos que los japoneses ya son ¨otro pedo¨; allá todavía existe la sensibilidad.

¨Sensibilidad¨, como el valor en extinción que todavía nos pretende hacer humanos y nos distingue de las bestias. Las ¨bestias¨,  las que luchan por la supervivencia en el beneficio de ellas mismas de forma individual, sin importarles el posible perjuicio ocasionado sobre todo lo demás. La ¨individualidad¨, lo que te arrastra a recorrer tu propio camino, sin saber que alguna vez tendrás que cavar también tu propia tumba. ¨Tu tumba¨, el resultado final de tu supervivencia, tu mera justificación existencial. Le dije al Pak que en ese día final en que todo se acabe con nuestro entierro, será la gran diferencia que hoy nos marca entre él y yo: a su funeral asistirán cientos de personas que llenarán su tumba de flores, de las cuales sólo unas pocas, contadas con los dedos de una mano, serán amigos sinceros que recorrieron juntos su vida junto con él hasta el último día. Por el contrario en mi despedida sólo estarán esos mismos 5 amigos del alma, se podrá escuchar mucho mejor la música del órgano, porque a todos los demás ya me encargué yo de hacerles la criba durante el camino. ..Cuestión de principios, los que todavía nos diferencian de las cucarachas, las mismas con las que empezó toda este quebradero neuronal.

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ARTE como arma de construcción masiva.

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Acabo de leer una entrevista muy interesante que el diario ¨El País¨ publica con Christine Macel, la comisaria en jefe de la edición de este año para la Bienal de Venecia. ..Léanla, es puro trasfondo.

Entre las entrañas del diálogo, me gusta mucho su visión del arte como aporte social en un Mundo tan convulso como el actual; ¨El Arte no puede cambiar el Mundo, pero sí puede reinventarlo¨.

Desde mi humilde punto de vista, reinventar ya conlleva implícito y de forma directa el hecho de cambiar, y tal vez sus palabras son fruto de una nobleza sibilina innata a la propia persona. Nobleza que muchas veces parece cohibir a la hora de afrontar la palabra ¨cambio¨, la cual lleva a muchos hacia una asociación con la ¨pretenciosidad¨. Y en este caso concreto, a nivel humano dice mucho y muy bueno de esta persona.

Desde este punto de vista, la comisaria defiende el papel libre e independiente del artista ante su creación y frente al protagonismo mediático, desterrando la labor del curador hacia la oscuridad del silencio (lo cual de nuevo le honra, aunque no estoy del todo de acuerdo). Admiro profundamente su deseo de centrar todo el foco de atención en el protagonismo del artista, lo que me parece una perspectiva muy purista y hasta casi ¨romántica¨; para una visión en peligro de extinción desde un Mundo de hoy, donde todo queda cada vez más sometido a las reglas del sistema.

Sin embargo, la experiencia me dice que el artista ¨por sí sólo¨ y de forma generalizada (salvo en hermosas excepciones), no es capaz de hacer un análisis preciso de la realidad, y esto ya es un ¨arma¨ ciertamente indispensable, para posteriormente dar paso a eso del ¨reinventar¨. El ADN del artista lleva innato un enorme componente de escapismo y evasión, que le diferencia del resto de los mortales, que a la vez afortunadamente le potencia y fortalece para el esplendor de su creatividad,… pero que también le aleja conceptualmente del ruido social. Se podría decir que cuanto más creativa es la mente de un artista, más alejada está de los cánones de comportamiento y creación del ¨mundo común¨. Todavía hoy el concepto de la ¨creatividad¨ está muy vinculado al de la ¨originalidad¨.

Y si ustedes me aceptan este argumento, estarán de acuerdo conmigo en que el Arte social que afortunadamente explota ya sin freno en Siglo 21, es un conjunto hermoso de intelectualidades que trabajan en equipo de forma sincronizada y armoniosa. Ya no hay un único nombre ni una única firma que alimente los egos y los personalismos. Por el contrario, hoy empiezan a crearse los ¨EQUIPOS¨. Si ustedes ven la película sobre el proceso de gestación de la figura de Banksy (¨Exit through the gift shop¨), verán la relevancia que les estoy contando para el caso del camarógrafo chiflado que filmó todo aquello, y que pasó de ser un objeto molestoso entre los artistas, a convertirse en algo imprescindible para sus desarrollos.

Nosotros estamos viviendo en Art Team3 una auténtica (y bella) ¨batalla¨ similar de sincronización de intelectualidades, para nuestro proyecto sobre Picasso y la Guerra. Y entre las muchas conclusiones que se podrían extraer de todo este proceso (pronto hablaré de ello), me quedo con el descubrimiento de ver cómo, cada vez más, existen artistas que se implican hasta la médula en proyectos en los que creen, y se dejan asesorar por la labor de documentación que demandan como previo paso a plasmar plásticamente sus creatividades. Gente que valora todo ese proceso de ¨búsqueda de la verdad¨ para un Mundo que desconocen, precisamente porque sienten desde su escapismo no pertenecer a él. Valoración de un proceso documental para el que no tienen tiempo de dedicación, y que ya lo empiezan a asumir como imprescindible para generar ¨disparos certeros¨ desde la conceptualidad de sus composiciones, de cara a que lleguen al centro conceptual de la diana en la mente del espectador.

Y todo esto, es simple y conceptualmente una ¨construcción masiva¨ en antítesis a las armas de destrucción masiva. Una forma de Revolución, una nueva manera de entender el Arte que va más allá de un mero ejercicio plástico escapista, y que aboga por un esfuerzo en común entre las partes, y para toda una sinergia neuronal proveniente de diferentes dimensiones. Nunca antes en la Historia de la Humanidad se había concebido el Arte desde este perspectiva ¨colaborativa¨, y créanme si les digo que esto se está convirtiendo ya, en una huella imborrable y orgullosa desde nuestra Civilización, para el proceso de formación de futuras Civilizaciones venideras.

…Y visto de este modo, el Arte ¨reinventa¨ o ¨cambia¨; lo que ustedes prefieran.

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Documentación:

-Entrevista con Christine Macel.

http://cultura.elpais.com/cultura/2017/05/03/actualidad/1493834011_187296.html

-Banksy. Exist through the gift shop.

“Jaula de ánimas”. Matemática descontrolada.

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La innovación, metáfora casi siempre asociada a la Revolución, deja de ser muchas veces un recurso meramente técnico, para convertirse una actitud filósófica, existencialista, experimental, casi vital, como una especie de ¨modus vivendi¨. Lo formal, en este tipo de contextos, se convierte en un profundo ¨mensaje oculto¨, y el ávido receptor se encarga de (si quiere, puede o le apetece), descifrar el código que se le presenta.

 

Éste es el caso de la obra en la que me detengo a escribir hoy; ¨Jaula de ánimas¨, del artista mexicano Pak Frank.

Estéticamente reconozco que aún siendo plásticamente muy visual, tanto por formato como por aleatoriedad colorista, no es de mis favoritas dentro del extenso universo expresivo del artista. Sin embargo, esta pinche obra tiene ¨algo¨ que me atrapa. Muchas veces las letras son injustas con los sentimientos, y cuando digo ¨algo¨, me refiero a un conjunto de tormentos neuronales de difícil explicación humana.

 

La obra es un óleo sobre lienzo de 2,5×1,7m., formato suficiente para incluirlo en la categoría de ¨putazo¨ expresivo. De hecho, creo que es de las obras más complicadas a las que me he enfrentado presencialmente en mi vida; que más rompen con la ley de la equidad entre aquella expresión que uno ve en una foto a través de las redes sociales, versus el hecho de plantarse frente a ella y lidiarla como un toro que viene embestido contra tí. No existe cámara fotográfica ni encuadre en el Mundo, capaces de hacer justicia para la solemnidad de estos trazos a los que refiero estas líneas. Y aquí uno empieza a plantearse si realmente la fotografía fue un buen invento o no, por la cuestionable veracidad muchas veces de sus píxeles.

 

El caso es que, poniéndome hoy en la piel del lector de este post, y al ver las fotos que lo acompañan, uno puede pensar ¨este hombre está exagerando¨. Y lo entiendo perfectamente, yo pensaría lo mismo. Pero dénme por favor el chance oportuno a justificarlo todo:

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Esta obra está actualmente expuesta en forma de bienvenida en la entrada del estudio del artista, a escasos días de salir para una galería expositiva en Guadalajara Jalisco. El visitante, cuando entra en el espacio y ve ¨eso¨, automáticamente piensa que entra a un lugar diferente, no se sabe muy bien si es de diseño gráfico, si es de alguna academia de ciencia matemática, si es quizá un simple artista incomprendido al uso, o si incluso de forma sorpresiva, se halla ante una ¨genialidad¨. El caso es que la obra no deja indiferente a nadie.

 

Acercándose los 7 metros que hay que recorrer desde la puerta para ver la obra en detalle, uno ya empieza a descubrir que lo que tiene delante es una acción ¨paranormal¨ de difícil explicación. Un conjunto de ¨símbolos¨ que rompen con las teorías de la armoniosidad, pero que sin embargo y a la vez se concibe como un interesante conjunto armónico fractal. El visualizador realmente acepta ese ¨envite¨ neuronal, se deja querer por la obra, siente que no le hace daño, e incluso acepta la amistad desinteresada y transparente que le ofrece.

 

Y una vez dado este primer y peligroso paso del aproximamiento intelecto-emocional, entonces uno ya se entrega a la obra y empieza a fluírla, a navegar, a digerir su ingente cantidad de trazos, todos ordenados como una matemática, pero sin ser un conjunto matemático. Ni siquiera técnicamente se pintaron como la lógica humana pudiera adivinarlo (de arriba a abajo o viceversa), sino que todo es producto de una aleatoriedad creativa de primero líneas, luego círculos, arriba, abajo, o donde sea. Pak Frank lo justifica diciendo “La obra te manda, y tú sólo tienes que obedecerle”.

 

Porque lo que inicialmente podría evocar a un inmensísimo serial binario de ¨ceros¨ y ¨unos¨, todos repetidos de forma aleatoria para generar un código relativo y descifrable, entonces da paso a la MAGIA de descubrir que ni siquiera una sóla de las ¨ánimas¨ recogidas en esa ¨jaula¨, es igual la una a la otra, dentro de lo que supone toda esa ingente cárcel de 1.247 almas ahí encerradas (me tomé la molestia de contarlas). Todas son diferentes entre ellas, más grandes, más pequeñas, circulares, cuadradas, rectangulares, rojas, azules, negras, blancas, naranjas,… son el INFINITO imposible de digerir. Incluso cada una de ellas sería capaz de generar por sí sóla su propio cuadro, en lo que entiendo que esto es un ejercicio de indudable demostración creativa, donde el artista evidencia que es capaz de generar en un sólo cuadro, la abrumadora cantidad de 1,247 ¨minicuadros¨. (..Mis respetos). Le llegué a preguntar al artista sobre cuál era su ¨ánima¨ favorita para toda la serie ahí plasmada, y me respondió sin titubeo: ¨el Basquiatcito¨. Yo me quedo con el ¨Picassito¨. No hay volúmenes, sólo capas y trazos, millones de trazos de generan su propio volumen. Tampoco hay centros de luz, la propia paleta de color se encarga de generar la luminosidad de la obra. No existen tan siquiera puntos de fuga, la propia composición plana y fractalizada genera sus infinitas rutas de evasión.

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(Basquiatcito).

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(Picassito).

Hasta aquí la explicación plástica de la obra, abierta a innumerables interpretaciones en función del ojo con que se mire. Pero a partir de ahora quisiera entrar en el terreno de lo ¨sensorial¨, la ¨emotividad¨, el ¨por qué¨ de la obra. El universo pictórico como generador de vida, poesía, y sobre todo de movimiento. Sin el movimiento, todo está frito, frío, congelado y muerto. TODO PASA A SER MÚSICA.

 

Este cuadro se hizo en el año 2007, hace exactamente 10 años. Eran tiempos convulsos para el artista a nivel existencialista, se debatía entre el Pak ¨persona¨ y el Pak ¨artista¨, casi como cualquier religión que te obliga ya a decidirte si entrarle o no. Aquello generó en el propio artista un universo interior caótico, casi multiplicador exponencial de nuevos y desconocidos miedos, temores y fantasmas. La inseguridad se adueñaba de las decisiones del artista, todo se convertía en una ¨jaula¨, que encerraba su incapacidad de elegir y decidir por sí mismo de forma libre e independiente. Empezaban a aparecer en su vida ¨personajes¨, tanto en sus sueños como en la vida real. Gente a la que nunca había visto antes, y que ahora se convertían en personas que estaban decidiendo sobre su propio rumbo de vida, sobre lo que en teoría sólo ÉL podía y debía decidir. Se sentía usurpado, de alma robada, encerrado en un mundo que empezaba a no comprender, como un ¨tsunami¨ repentino emocional que le arrasaba sin saber cómo poder esquivarlo, tan siquiera acompañarlo. ..Miedos, y muchas ¨ánimas¨.

 

Probablemente muchos de los lectores que en este momento se encuentren aquí, hayan pasado por una experiencia similar en su vida, se hayan encontrado en la tesitura interiorista de estar obligados a tener que decidir sobre lo desconocido, y sin saber cómo. Momentos que uno se guarda como coraza en su alma por la fragilidad y el temor del darse a descubrir. Pero la diferencia para este caso concreto, es que Pak Frank quiso plasmar todo aquel capítulo de su vida en un lienzo. Y lo hizo a lo grande: en caliente, sin temores frente al lienzo, sin esos mismos miedos que en la vida real le acechaban, sin prejuicios, sin esconderse, y simplemente guiado por el instinto asesino del ¨artista¨, el que todo lo quiere contar, el que no puede callar, el que saca rédito incluso de sus miserias, para finalmente convertirlo en ¨ARTE¨. El escapismo en esencia pura.

 

Así salió su formato mural para esta ¨Jaula de ánimas¨, y para lo que la gran mayoría de la sociedad tal vez hubiese escondido trapeándolo todo bajo la alfombra. Y ésa, si me lo permiten ahora a modo de conclusión, es la grandeza de esta obra, y la honestidad del artista que la creó. Creo que me entienden.

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(Nota paralela: en ningún momento quise adentrarme en el terreno cognitivo de las dos áureas azules que sustentan la obra en su parte superior e inferior. Es parte de lo indescifrable de la obra, lo que dota de ¨personalismo¨ a todo el conjunto de las almas, lo que las transporta como continente y contenido en el camino del lienzo a la mente del espectador. Como respondía Bacon a quien intentaba desentrañar su obra: ¨ES, y ya¨.